FOR
CREATIVE ACTIVITIES IN USTKA 2013 - 2016
BAŁTYCKA GALERIA SZTUKI WSPOŁCZESN'
CENTRUM AKTYWNOŚCI WÓRCZEJ
W USTCE 2013 - 2016
CENTRE
FOR
CREATIVE ACTIVITIES
IN USTKA 2013 - 2016
Szanowni Państwo!
Niezmiernie miło mi zaprosić Państwa do zapoznania się z niniejszym katalogiem, który jest podsumowaniem trzyletniej działalności Centrum Aktywności Twórczej w Ustce.
Działająca pod auspicjami Bałtyckiej Galerii Sztuki Współczesnej w Słupsku ustecka galeria, chociaż młodziutka, może już poszczycić się bogatym dorobkiem artystycznym i edukacyjnym. Jest to miejsce, którego uniwersalność i otwartość artystyczna sprawiły, że w tak krótkim czasie, stało się ważnym punktem na mapie instytucji wystawienniczych i ośrodków twórczych. Dzięki dofinansowaniu w ramach Regionalnego Programu Operacyjnego dla Województwa Pomorskiego na lata 2007-2013 stary spichlerz zbożowy zyskał nie tylko blask, ale przede wszystkim nowe funkcje. Było to zadanie niełatwe, jednakże efekt końcowy rekompensuje wysiłek, jaki pracownicy BGSW oraz Województwo Pomorskie włożyło w ten projekt.
Centrum, które łączy w sobie funkcję wystawienniczą oraz edukacyjną, powstało z myślą przede wszystkim o artystach, ale również o społeczności lokalnej. Jest to pierwszy tego typu ośrodek w Polsce i jeden z nielicznych w Europie, a nawet na świecie. Bogata oferta edukacyjna, unikatowy projekt artist -in-residence, nieustająco rozwijający się Park Sztuki, czy cenione w środowisku artystycznym Biennale Sztuki Młodych Rybie Oko to projekty stanowiące wizytówkę Centrum Aktywności Twórczej i całej Bałtyckiej Galerii Sztuki Współczesnej w Słupsku.
Wierzę, że niniejszy katalog rozbudzi ciekawość i zachęci Państwa do odwiedzenia tego przepełnionego duchem sztuki miejsca.
Mieczysław Struk Marszałek Województwa Pomorskiego
Ladies and Gentlemen,
I am very pleased to invite you to read this directory which is a three-year summary of the activity of the Centre for Creative Activities in Ustka.
Operating under the auspices of the Baltic Gallery of Contemporary Art in Słupsk, the gallery in Ustka, although very young, can already boast a rich artistic and educational output. It is a place whose versatility and openness on art, made in such a short time, has become an important point on the map of exhibition institutions and creative centres. Thanks to the financial support under the regional operational programme for the Pomeranian province for 2007-2013, the old granary has gained not only brilliance, but above all the new features. It was not an easy task, but the end result compensates for the effort that the staffs of the Baltic Gallery of Contemporary Art in Słupsk and the Pomeranian province have together put into this project.
The centre, which combines the functions of an exhibition hall and an educational institution, has come to being primarily with artists, but also with the local community on the mind. This is the first centre of this kind in Poland and one of the few in Europe and even the world. A wide range of educational possibilities, a unique artist-in-residence programme, the constantly evolving Art Park, and the valued in the artistic environment Biennale of the Young 'Fish Eye' are the showcase projects of the Centre for Creative Activities and the entire Baltic Gallery of Contemporary Art in Słupsk.
I believe that this catalogue will awake your curiosity and encourage you to visit this place filled with the spirit of art.
Mieczysław Struk Marshal of the Pomeranian Province
Powstałe przed trzema laty Centrum Aktywności Twórczej w Ustce stanowi integralną część Bałtyckiej Galerii Sztuki Współczesnej w Słupsku, która w tym roku obchodzi jubileusz 40-lecia. Rocznica ta -w sposób nieodparty - skłania do refleksji nad genezą, historią oraz przyszłością instytucji. Dlatego też, jak sądzę, warto pochylić się nad jej początkami oraz późniejszymi dziejami.
Na przestrzeni minionych czterdziestu lat galeria była zarządzana przez czterech dyrektorów. Każdy spośród nich w znaczący sposób przyczynił się do rozwoju naszej instytucji, realizując własną wizję tego miejsca. Warto wspomnieć, że dzisiejsza Bałtycka Galeria Sztuki Współczesnej przed rokiem 2000 należała do ogólnopolskiej sieci Biur Wystaw Artystycznych. Jako Biuro Wystaw Artystycznych w Słupsku galeria została formalnie powołana w dniu 27 stycznia 1976 r. zarządzeniem Wojewody Słupskiego nr 7/76.
Pierwszą siedzibą BWA była Baszta Czarownic - pochodzący z średniowiecza obiekt zabytkowy, który do dnia dzisiejszego jest jednym z salonów wystawienniczych Bałtyckiej Galerii Sztuki Współczesnej. Pierwszą dyrektorką Biura Wystaw Artystycznych została Teresa Skóra, która swoją funkcję sprawowała do połowy 1984 r. Od roku 1984 stanowisko dyrektora przejął Kazimierz Świderski, któremu (wraz z ogromnym wsparciem i pomocą m.in. Mieczysława Jaroszewicza oraz Witolda Lubinieckiego) udało się przystosować do potrzeb wystawienniczych część spichlerza zbożowego w Ustce (obecnie w całości Centrum Aktywności Twórczej). W dniu 27 czerwca 1987 r. oddano budynek do użytku jako filię BWA w Słupsku. W gmachu tym mieściła się sala wystawiennicza oraz pokoje - pracownie dla artystów oraz uczestników plenerów. W latach późniejszych kolejnemu dyrektorowi udało się dołączyć do dawnego BWA obecną Galerię Kameralną oraz obiekt z nią sąsiadujący, do którego po 17 latach działalności przeniesiono siedzibę administracyjną BWA. W tym samym też miejscu mieści się ona do dnia dzisiejszego. Funkcję dyrektora BWA sprawował wówczas Władysław Kaźmierczak, któremu również - cztery lata później - udało się powiększyć przestrzeń Galerii Kameralnej o dodatkową powierzchnię wystawienniczą. Władysław Kaźmierczak, jako dyrektor Biura Wystaw Artystycznych, znacząco wpłynął na zmianę programu merytorycznego i wizerunku galerii, co zostało zauważone i docenione w środowisku artystycznym w Polsce, a placówka została uznana za jedną z najważniejszych polskich galerii. W roku 2001 - już jako Bałtycka Galeria Sztuki Współczesnej - zajęła niekwestionowane pierwsze miejsce wśród wyróżniających się galerii w Polsce, znajdujących się poza wielkimi centrami sztuki w/g rankingu pisma „Newsweek".
Zmiana nazwy z Biura Wystaw Artystycznych na Bałtycką Galerię Sztuki Współczesnej nastąpiła 4 września 2000 r. decyzją Sejmiku Województwa Pomorskiego, który przejął w styczniu 2000 r. naszą instytucję na podstawie porozumienia zawartego pomiędzy Gminą Miejską Słupsk - Miastem na prawach Powiatu, a Samorządem Województwa Pomorskiego.
The Centre for Creative Activities in Ustka appeared three years ago; it is an integral part of the Baltic Gallery of Contemporary Art in Stupsk, which this year celebrates its 40th anniversary. This anniversary irresistibly invites us to reflect on the origins, history and future of the institution. Therefore, I think, we should look into its origins and subsequent history.
Over the past forty years the gallery was managed by four directors. All of them have contributed significantly to the development of our institution, realizing their own vision of the place. It is worth mentioning that, up to the year 2000, today's Baltic Gallery of Contemporary Art belonged to the nationwide Biuro Wystaw Artystycznych (BWA) network (state bureaus of art exhibitions). As a Bureau of Art Exhibitions, the gallery in Słupsk was formally established on January 27th, 1976,
with the ordinance of the governor of the Słupsk region no. 7/76.
The first seat of the BWA gallery was the Witches' Tower - a historic building dating from the Middle Ages, which to this day is one of the exhibition halls of the Baltic Gallery of Contemporary Art. The first director of the Bureau of Art Exhibitions BWA was Teresa Skin, who exercised the function by mid-1984. Since 1984, the function was taken over by director Kazimierz Świderski, who (along with the tremendous support and assistance of, among others, Mieczysław Jaroszewicz and Witold Lubiniecki) managed to adapt a part of a historic granary in Ustka (now the seat of the Centre for Creative Activities) for the needs of exhibitions. On June 27th, 1987, the building in Ustka was put into use as a branch of the BWA bureau of art exhibitions in Słupsk. The building housed an exhibition hall and a few rooms/ studios for artists and participants of open airs. In later years, the next director managed to join the present Small Gallery and its neighbour object to the former BWA Gallery, moving there the administrative headquarters of the BWA after 17 years of existence, where it is seated to the present day. Four years later the same director of the BWA Władysław Kaźmierczak managed to enlarge the exhibition space of the Small Gallery. As the director of the BWA gallery, Władysław Kaźmierczak significantly influenced the change of the program contents and the general image of the gallery,
which was noticed and appreciated in the artistic
environment in Poland, and the facility started to be considered one of the most important art galleries in Poland. In 2001, according to the ranking by the "Newsweek" magazine, the gallery, already as the Baltic Gallery of Contemporary Art, took undisputedly the first place among the prominent galleries in Poland outside the great centres of art.
The change of the name of the gallery (from the BWA Gallery to the Baltic Gallery of Contemporary Art) took place on September 4th, 2000, with the decision of the Regional Assembly, which took over our institution in January 2000 on the basis of the agreement between the municipality of Słupsk and the local government of the Pomeranian Province.
Od 19 czerwca 2006 r. pełnię zaszczytną funkcję dyrektorki Bałtyckiej Galerii Sztuki Współczesnej w Słupsku. Wcześniej przez dziesięć lat pracowałam w BGSW jako specjalistka do spraw edukacji artystycznej. Koncepcję zarządzania instytucją oparłam na swoim wcześniejszym doświadczeniu zawodowym i zawarłam ją w opracowanej przeze mnie strategii rozwoju Bałtyckiej Galerii Sztuki Współczesnej w Słupsku, która była również moją praca dyplomową pt. „Strategia Rozwoju Bałtyckiej Galerii Sztuki Współczesnej w Słupsku na lata 2008-2013", napisanej pod kierunkiem doc. dr Stanisława Kownackiego na Uniwersytecie Warszawskim na Wydziale Zarządzania, Studia Podyplomowe w Zakresie Zarządzania dla Twórców Artystów i Animatorów Kultury (2007-2008). W strategii rozwoju Bałtyckiej Galerii Sztuki Współczesnej znaczące miejsce zajęła przebudowa budynku w Ustce i przystosowanie go do potrzeb nie tylko wystawienniczych ale również edukacyjnych i rezydecyjnych. Oczywiście - sama modernizacja obiektu nie miała być celem samym w sobie, ale początkiem zmiany funkcji oraz wizerunku instytucji. Centrum Aktywności Twórczej miało stać się rzeczywistym centrum sztuki z dala od wielkich aglomeracji miejskich.
Jako pomysłodawczyni i autorka koncepcji powstania Centrum Aktywności Twórczej w Ustce, zainicjowałam prace nad projektem inwestycyjnym pt. „Kompleksowy Program Rozwoju Bałtyckiej Galerii Sztuki Współczesnej - utworzenie Centrum Aktywności Twórczej w Ustce" w 2007 roku. Trzy lata później, projekt uzyskał dofinansowanie dzięki Europejskiemu Funduszowi rozwoju Regionalnego dla województwa pomorskiego na lata 2007-2013. Całkowita wartość projektu to kwota 4.867 923,50 złotych. Trzy lata trwały prace modernizacyjne i 15 sierpnia 2013 roku budynek został oddany do użytku.
W efekcie całkowitej przebudowy obiektu oraz powiększenia powierzchni funkcjonalnej Centrum Aktywności Twórczej zyskało nowy wizerunek oraz dodatkowo całkowicie nową przestrzeń wystawienniczą, bazę noclegową wraz z zapleczem, a także co najistotniejsze zaplecze technologiczne w postaci dwóch pracowni: rzeźby i ceramiki, a także fotograficzno-filmowej. Centrum zostało przystosowane do pobytów typu artist-in-residence. Tylko w ciągu trzech lat z naszych rezydencji artystycznych skorzystało 34 artystów pochodzących z 17 krajów. W salonie wystawienniczym, swoje prace prezentowali znakomici polscy i zagraniczni artyści.
Od dwóch lat z powodzeniem realizujemy program w przestrzeni publicznej oraz sztukę społecznie zaangażowaną. Na przełomie trzech lat działalności Centrum udało mi się wraz ze współpracownikami -znakomitymi fachowcami w swoich dziedzinach - wytyczyć nowy kierunek działań oraz rozpocząć realizację wizji - Centrum Aktywności Twórczej - jako miejsca otwartego i swoistego laboratorium sztuki współczesnej przeznaczonego zarówno dla artystów, jak i dla szeroko pojmowanych aktywnych odbiorców sztuki. W zespole pracowników merytorycznych BGSW znaleźli się ad. dr Roman Lewandowski (krytyk sztuki, kurator Bałtyckiej Galerii Sztuki Współczesnej), Przemysław Chodań (niezależny kurator i krytyk sztuki) oraz Krzysztof Tomasik, Adam Mroczek, Michał Żesławski, Małgorzata Różańska i Piotr Igor Sałata.
I have been at the honourable post of the director of the Baltic Gallery of Contemporary Art in Słupsk since June 19th, 2006. Previously, I had worked for ten years in the Baltic Gallery of Contemporary Art as an expert in artistic education. I have based the concept of management of the institution on my previous professional experience and concluded it in my strategy for the development of the Baltic Gallery of Contemporary Art in Słupsk. The strategy was my diploma work entitled The Development Strategy for the Baltic Gallery of Contemporary Art in Słupsk 2008-2013 and written under the direction of Prof. Stanisław Kownacki at the faculty of management at Warsaw University. This concluded my postgraduate studies in management for artists and animators of culture (2007-2008).
A significant place in the development strategy for the Baltic Gallery of Contemporary Art in Ustka was taken by the modernization of the showroom in Ustka. Of course, the reorganization and readaptation of the object could not have to be an end in itself, but it was only a beginning for the change of the function and image of the institution. The Centre for Creative Activities has become a real centre of art away from the large urban agglomerations. As the originator and author of the concept of the Centre for Creative Activities in Ustka, I initiated the work on the investment project entitled The Comprehensive Development Programme for the Baltic Gallery of Contemporary Art - the Creation of the Centre of Creative Activities in Ustka in 2007. Three years later, the project received funding through the European Regional Development Fund for the Pomeranian Province 2007-2013. The total project value amounted to 4 867 923.50 PLN. The modernization works took three years and in the end on August 15th, 2013, the building was put into use.
In result of the total reconstruction of the building and the extension of its functional surface the Centre for Creative Activities gained a new image and also a completely new exhibition space with a range of accommodation facilities, and - what's the most important - the technological facilities in the form of two studios, a sculpture and ceramics studio, and a photography/film studio. The centre has become adapted for stays within the artist-in-residence programme. Only during three years of this activity, the centre hosted 34 artists/residents from 17 countries. Thanks to this, some eminent Polish and foreign artists presented their works in our showroom.
For two years, we have successfully implemented the programme presenting art in the public space
and promoting the socially involved art. At the end of three years of activity of the centre I was able,
together with my colleagues, excellent experts in their fields, to work out a new course and start the
implementation of the vision of the Centre for Creative Activities as an open place and a kind of laboratory
of contemporary art, designed for both the artists and the active art audience.
The professional staff of the Baltic Gallery of Contemporary Art includes Dr. Roman Lewandowski
(art critic, curator of the Baltic Gallery of Contemporary Art), Przemysław Chodań (independent curator
and art critic), and Krzysztof Tomasik, Adam Mroczek, Michał Żesławski, Małgorzata Różańska
and Piotr Igor Sałata.
Ważnym było również merytoryczne wsparcie opiniotwórczej Rady Programowej, działającej od dwóch lat przy Bałtyckiej Galerii Sztuki Współczesnej, której członkami są: Sebastian Cichocki (główny kurator Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie), dr Mikołaj Iwański (adiunkt w Zakładzie Historii i Teorii Sztuki na Wydziale Malarstwa i Nowych Mediów Akademii Sztuki w Szczecinie), Beata Jaworowska (przedstawicielka Zarządu Województwa Pomorskiego i Zastępca Dyrektora Departamentu Kultury w Gdańsku), dr hab. Izabela Kowalczyk (prof, na Wyższej Szkole Nauk Humanistycznych i Dziennikarstwa w Poznaniu oraz na Wydziale Edukacji Artystycznej w Katedrze Teorii Sztuki i Filozofii Uniwersytetu Artystycznego), dr Adam Mazur (redaktor naczelny magazynu SZUM, adiunkt na Wydziale Komunikacji Multimedialnej Uniwersytetu Artystycznego w Poznaniu), dr hab. Jacek Zdybel (prof, w Pracowni Malarstwa Ściennego i Witrażu, Wydział Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Gdańsku).
Cała inwestycja nie miałaby miejsca, gdyby nie przychylność Pana Mieczysława Struka - Marszałka Woj. Pomorskiego oraz dyrekcji w osobie Pana Władysława Zawistowskiego i całego zespołu Departamentu Kultury Urzędu Marszałkowskiego w Gdańsku oraz byłego i obecnego Prezydenta Miasta Słupska Pana Macieja Kobylińskiego i Pana Roberta Biedronia, byłego i obecnego Burmistrza Miasta Ustki - Panów: Jana Olecha i Jacka Graczyka, Pana Marka Biernackiego - obecnego I Zastępcy Prezydenta Słupska oraz II Zastępcy Prezydenta Słupska Pani Krystyny Danileckiej-Wojewódzkiej. Wszystkim osobom wymienionym, i tym których nie wymieniłam (nie sposób jest wymienić wszystkich), a którzy w jakikolwiek sposób przyczynili się do powstania i rozwoju BGSW w Słupsku, a w szczególności Centrum Aktywności Twórczej serdecznie dziękuję.
Edyta Wolska
Dyrektor Bałtyckiej Galerii Współczesnej w Słupsku
The factual support from the part of the opinion-forming consultative Programme Council, acting for two years at the Baltic Gallery of Contemporary Art, was also important. Its members are: Sebastian Cichocki (chief curator of the Museum of Modern Art in Warsaw), Dr. Nicholas Iwański (assistant professor at the department of art history and theory at the faculty of painting and new media of the Academy of Art in Szczecin), Beata Jaworowska (representative of the Regional Board of Pomerania and Deputy Director of the Department of Culture in Gdańsk), Dr. Izabela Kowalczyk (professor at the School of Humanities and Journalism in Poznań and at the department of art theory and philosophy of the faculty of art education of the University of Arts in Poznań), Dr. Adam Mazur (editor-in-chief of the "Szum" magazine, assistant professor at the faculty of multimedia communication at the University of Arts in Poznań), and Dr. hab. Jacek Zdybel (professor at the laboratory of wall painting and stained glass of the faculty of painting of the Academy of Fine Arts in Gdansk).
The whole enterprise would not take place without the goodwill of Mr Mieczysław Struk, marshal of the Pomeranian province, and without managers such as Mr Władysław Zawistowski and the entire team of the Department of Culture of the Marshal Office in Gdańsk and the former and current mayor of the city of Słupsk Maciej Kobyliński and Mr Robert Biedroń, former and current mayor of the city of Ustka, Messrs Jan Olech and Jacek Graczyk, and Mr Marek Biernacki, current first deputy mayor of the city of Słupsk, and second deputy mayor of the city of Słupsk, Krystyna Danilecka-Wojwódzka. My deepest thanks go to all the listed persons and also to those whom I did not mention (it's hard to mention all of them), who contributed in any way to the emergence and development of the Baltic Gallery of Contemporary Art in Słupsk, and in particular the Centre for Creative Activities in Ustka.
Edyta Wolska
Director of the Baltic Gallery of Contemporary Art in Słupsk
UST(k)A SZTUKI
Istniejący od schyłku Lat 80. ubiegłego wieku salon wystawienniczy Bałtyckiej Galerii Sztuki Współczesnej w Ustce w 2013 r. został poddany gruntownej modernizacji i od tamtej pory funkcjonuje jako Centrum Aktywności Twórczej. W rezultacie całkowitej przebudowy i readaptacji budynku do dyspozycji artystów oraz odbiorców zostały oddane pracownie filmu, grafiki, rzeźby i ceramiki, które wyposażono w najnowocześniejszy sprzęt oraz oprogramowanie. Niezależnie od tego centrum dysponuje również nową salą wystawienniczą oraz salą wykładową, a także bazą noclegową służącą twórcom, rezydentom, studentom tudzież gościom. Obecnie placówka ta jest unikalnym w skali Polski miejscem kreowania i popularyzacji twórczości artystycznej.
Jakkolwiek głównym zamierzeniem przyświecającym Edycie Wolskiej, autorce projektu Centrum Aktywności Twórczej, było uczynienie z usteckiego ośrodka wystawienniczego progresywnego miejsca aktywności i interdyscyplinarnych działań w obrębie szeroko rozumianych sztuk wizualnych, trzeba dodać, że równie istotną rolę odgrywa w tej koncepcji próba stworzenia w tym miejscu spektakularnej komunikacyjnej platformy. Idea ta ma służyć z jednej strony propagowaniu wartości i potencjału tkwiącego w różnych domenach lokalności, z drugiej zaś - konfrontowaniu ich z kulturą polską i zagraniczną w świecie ponowoczesnej globalności.
Bez wątpienia w ten właśnie nurt aktywności wpisują się prezentacje dzieł najwybitniejszych artystów polskich. Na przestrzeni zaledwie trzech minionych lat galeria zorganizowała wystawy prac Mirosława Bałki, Jarosława Modzelewskiego, Pawła Susida, Józefa Robakowskiego i Tomasza Ciecierskiego.
Artefakty wspomnianych artystów konstytuują kanon współczesnej sztuki polskiej, zaś ich dzieła pokazywane są w najważniejszych instytucjach wystawienniczych w Polsce, a także w muzeach i galeriach zagranicznych. Z drugiej strony Bałtycka Galeria Sztuki Współczesnej nie zapomina o twórczości najbardziej utalentowanych przedstawicieli młodego pokolenia sztuki polskiej, o czym najlepiej zaświadczają pokazy prac Izy Tarasewicz, Tomasza Barana, Magdaleny Starskiej,
Jakuba Ciężkiego czy Krzysztofa Maniaka.
Centrum Aktywności Twórczej jest zatem miejscem, w którym realizowane są zarówno projekty stricte wystawiennicze, jak i prezentowane są dzieła filmowe, muzyczne, teatralne czy najogólniej performatywne. Ponieważ cechuje je daleko idąca różnorodność - wyrażająca się w wielości stosowanych mediów oraz artykulacji niejednokrotnie odmiennych postaw, stanowisk i estetyk - aktywności tej intencjonalnie przypisana jest otwartość. Staramy się wsłuchać w wielogłosowość, respektujemy odmienne punkty widzenia i otwieramy na swobodny transfer idei, wyrażający się w najrozmaitszych koincydencjach oraz formułach, czemu doskonale służą organizowane przez nas spotkania, debaty, sympozja i konferencje.
J
USTKA ART
The showroom of the Baltic Gallery of Contemporary Art in Ustka, existing since the late 80s of the last century, has undergone extensive modernization in 2013. Since then it has operated as a centre for creative activities. In result of total reconstruction and rehabilitation of the building, artists and the audience have got a number of studios, including the film studio, the image and sound studio, and the sculpture and ceramics studio, all which are equipped with the latest equipment and software. Apart from this, the centre has also a new exhibition hall and a lecture hall, as well as accommodation facilities that can work for artists, residents, students and guests. Currently, the centre is a unique venue in Poland as a place for creation and popularization of artistic creation.
The main aim pursued by Edyta Wolska, the author of the founding project of the Centre for Creative Activities, was to turn the exhibition centre of the city of Ustka into a favourable space for progressive interdisciplinary activities within the broad sense of visual arts. We have to add, however, that in her concept of this place an attempt at creating a spectacular communication platform has also played an important role. On the one hand this idea is to serve to the promotion of values and potentials of various domains of locality, and on the other hand, to confront them with Polish and foreign culture in the world of postmodern globality.
Without a doubt, presentations of works of the most outstanding Polish artists fill this particular area of activity. In only three past years, the gallery organized exhibitions of works of Mirosław Bałka, Jarosław Modzelewski, Paweł Susid, Józef Robakowski and Tomasz Ciecierski. The artefacts of these artists constitute the canon of Polish contemporary art, and their works are shown at the most important exhibition institutions in Poland as well as at museums and galleries abroad. On the other hand, the Baltic Gallery of Contemporary Art has not forgotten about the work of the most talented representatives of the young generation of Polish artists, which is well evidenced by the exhibitions of Iza Tarasewicz, Tomasz Baran, Magdalena Starska, Jakub Ciężki, and Krzysztof Maniak.
The Centre for Creative Activities is, therefore, a place where strictly exhibition projects take place, but also the works of film, music, theatre and generally performative arts are presented. Since these works articulate different attitudes, positions and aesthetics, and are characterized by far-reaching diversity expressed in the multitude of used media, this activity is intentionally open. We try to listen to the polyphony of attitudes, respecting different points of view and being open to the free transfer of ideas, expressed in the most diverse coincidences and formulas. Meetings, discussions, symposia and conferences organized by us perfectly serve this purpose.
Centrum Aktywności Twórczej w Ustce - począwszy od momentu uruchomienia pierwszego programu artystycznego, edukacyjnego i rezydenckiego - kładzie szczególny nacisk na budowanie własnej tożsamości w oparciu o optykę, jaką wnosi do praktyki instytucjonalnej relacja centrum - peryferie oraz perspektywa miejsca - a w szczególności przeszły i teraźniejszy potencjał sfery lokalności.
Proces kreowania i formułowania programu artystycznego instytucji jest zatem immanentnie powiązany z kondycją własnej tożsamości. Stąd galeria, dokonując wyborów poszczególnych dzieł przeznaczonych do prezentacji oraz podejmując się realizacji konkretnych działań edukacyjnych, stara się optować za takimi, które odzwierciedlają i konstatują namysł nad procesualną kulturą będącą w toku zmian, stanowiących zarówno efekt czynników ogólnoświatowych, jak i przemian zachodzących we współczesnych mediach i sposobach komunikowania się. Wszystkie one bowiem artykułują społeczne przeobrażenia i technologiczne modyfikacje, co przenosi się na wizerunek i identyfikację miejsc, a także świadomość ich użytkowników, redefiniując relacje międzyludzkie, sąsiedzkie czy artystyczne.
Nie może zatem dziwić, że jednym z wiodących celów programu Centrum Aktywności Twórczej jest próba kulturowej aktywizacji mieszkańców dwumiasta Słupsk - Ustka, która w konsekwencji ma prowadzić do refleksyjnego oglądu i recepcji przestrzeni miejskiej, jej historii oraz wszelkich towarzyszących jej uwarunkowań. Akcje w przestrzeni publicznej, spotkania z artystami oraz projekcje filmowe oddziaływają zarówno jako czynniki konsolidujące społeczność jak i prowokują ją do zmiany perspektyw, co z kolei współgra z ogólniejszą dynamiką procesów społecznych silnie skupionych dzisiaj na odtwarzaniu i kreowaniu tożsamości lokalnych.
Istotnym elementem kultury opartej na wartościach wspólnotowych są spotkania organizowane w ramach wymiany instytucjonalnej i międzynarodowej. Usteckie centrum w ostatnich kilku latach zorganizowało dla szerokiej publiczności szereg paneli dyskusyjnych, w których wzięli udział wybitni pedagodzy, kuratorzy, krytycy i teoretycy sztuki. W 2015 r. odbył się „II Ogólnopolski Zjazd Dyrektorów i Pracowników Tworzących Dawną Sieć BWA", co stworzyło wyjątkową platformę do wymiany instytucjonalnych doświadczeń. Nie mniejszym zainteresowaniem cieszy się także permanentnie realizowany program rezydencji, skupiający przede wszystkim artystów zajmujących się sztuką w przestrzeni publicznej, rzeźbą, fotografią, wideo oraz performansem. Uczestnikami programu Artists-in-residence są twórcy pochodzący z całego świata. Tylko na przestrzeni ostatnich dwóch lat galeria gościła artystów m.in. z Japonii, Stanów Zjednoczonych, Iranu, Wielkiej Brytanii, Hiszpanii, Egiptu, Chin i Australii.
Równie prężnym obszarem aktywności instytucji jest współorganizacja plenerów dla profesjonalnych twórców oraz studentów uczelni artystycznych. W ramach plenerowych przedsięwzięć galeria gości artystów posługujących się szerokim spektrum mediów (począwszy od malarstwa, rzeźby i rysunku, a skończywszy na wideo i fotografii), którzy niejednokrotnie odnoszą się w swoich działaniach do przestrzeni i społeczności lokalnej, co stanowi niezwykle cenny element funkcjonowania naszej instytucji.
Centrum Aktywności Twórczej posiada także profesjonalne zaplecze technologiczne. W tej mierze należy wymienić przede wszystkim pracownie ceramiki, rzeźby, filmu i wideo, które są prowadzone merytorycznie zarówno w kontekście zapotrzebowania rezydentów i uczestników plenerów, jak i dla potrzeb mieszkańców Ustki oraz Słupska. Współpraca ta nabiera tym większej wagi także i z tego powodu, że Bałtycka Galeria Sztuki Współczesnej jest jedyną instytucją na terenie subregionu słupskiego, której zadaniem jest promocja i popularyzacja sztuki współczesnej.
Roman Lewandowski Kurator Bałtyckiej Galerii Współczesnej w Słupsku
Since the launch of the first artistic, educational and artist-in-residence programme, the Centre for Creative Activities in Ustka has put special emphasis on building its own identity, basing on the optics brought to the institutional practice by the centre-periphery relationship and the perspective of the place - in particular, the past and present potential of the locality sphere. The process of creating and formulating a program of this artistic institution is therefore intrinsically linked to the condition of its own identity. Hence, selecting works for presentations and taking up particular educational activities, the gallery seeks to favour those that reflect and show a reflection on processual culture which undergoes changes in result of worldwide factors and changes taking place in contemporary media and in the ways of communication. They are all those which articulate social transformations and technological modifications in today's world, which affect the image and the identity of places and the consciousness of their users, thus redefining interpersonal, neighbour or artistic relationships. Therefore, it cannot be surprising that one of the leading objectives of the Centre for Creative Activities is the attempt at activating the residents of the twin cities Słupsk-Ustka culturally, which consequently is to lead them to a reflective view and reception of their urban space, its history and all its accompanying conditions. Actions in public space, meetings with artists and film screenings act both as factors consolidating the community and provoking it to change perspectives, which in turn interacts with the more general dynamics of the social processes which today are strongly focused on reconstructing and creating local identities.
Meetings organized within the framework of institutional and international exchange are an important element of culture based on community values. In the last few years, the centre in Ustka has organized a number of panel discussions for the general public, attended by prominent educators, curators, critics and art theorists. In 2015 the 2nd National Congress of the Directors and Employees Forming the Former BWA [Bureau of Artistic Exhibitions] Network was held, which created a unique platform for the exchange of institutional experiences. The permanently implemented artist-in-residence programme is no less popular; it focuses primarily artists who deal with art in public space, sculpture, photography, video and performance art. The participants of this programme are artists coming from all over the world. Only in the last two years the gallery hosted artists from Japan, the United States, Iran, Great Britain, Spain, Egypt, China and Australia.
The co-organization of open air locations for professional artists and students of art schools is the equally energetic area of activity of the institution. As part of the outdoor projects the gallery hosts artists who use a wide range of media (painting, sculpture and drawing, as well as video and photography) and who often refer in their artistic activity to the local area and community; this is a very valuable element of functioning of our institution.
The Centre for Creative Activities has also a professional technological background. In this respect, we should mention of ceramics, sculpture, film and video, and image and sound studios which are conducted substantially both in the context of the needs of artists residents and participants of open airs, as well as for the needs of the inhabitants of Ustka and Słupsk. This collaboration is all the more important for the reason that the Baltic Gallery of Contemporary Art is the only cultural institution in the sub-region of Słupsk, whose mission is to promote and popularize contemporary art.
Roman Lewandowski Curator of the Baltic Gallery of Contemporary Art in Słupsk


YSTAWY
EXHIBITIONS
tó^KOWSKI
SztUK?tt?sWr!
16.08 - 09.09.2013
Kurator: Roman Lewandowski
Józef Robakowski należy do grona najwybitniejszych polskich artystów multi- i intermedialnych, zaś jego twórczość na przestrzeni minionych dwóch dekad stała się w naszym kraju najbardziej rozpoznawalną wizytówką neoawangardy. Poza działalnością stricte artystyczną Robakowski od wielu lat zajmuje się działalnością kuratorską i akademicką, animując szereg akcji i przedsięwzięć w domenie sztuki jak i jej teorii. (...) Spoglądając na twórczość artysty z perspektywy minionych pięciu dekad, zwraca uwagę fakt, że jest to dorobek, który tworzy niezwykle konsekwentną i koherentną całość pod estetycznym, antropologicznym i semiotycznym względem. Jeśli we wczesnych realizacjach szczególnie zwraca uwagę problematyka językowa i medialna, a także liczne odwołania do historii sztuki, to z czasem zostaje ona uzupełniona o tematy zaczerpnięte z ikonosfery o jednoznacznie społecznej czy politycznej proweniencji. Józef Robakowski nie uchyla się bowiem od dyskursu komentarza, jakkolwiek zaznacza, że powinnością każdego artysty jest „zacząć od zera budowanie ikon reprezentujących TEN czas".
Roman Lewandowski
Józef Robakowski belongs to the circle of the most outstanding Polish multi- and inter-media artists,
while during the past two decades his creation has become the most recognisable flagship of the neo-avant-garde in Poland. In parallel with his stride artistic activity, Robakowski has been engaged in curator and academic activity for many years, animating numerous actions and undertakings in the area of art and art theory. ()Looking at Robakowski's output from the perspective of past five decades, we can see that it is an uńusually consistent and coherent entity with regard to aesthetical, anthropological and semiotic values. In his early works he was concentrated on language and media problems, often referring to art history. With time he complemented this with themes taken from the iconosphere of unequivocally social and political provenience. In fact, Józef Robakowski doesn't evade commentary discourse, even though he remarks that the obligation of every artist is "to build icons which represent t(his) time, starting from the zero point".
Roman Lewandowski
(MBWska
.........sam wędrowałem
po tym świecie mroku
wandering tMougn He worra of darkness
i was
13.09 - 05.11.2013
Kuratorzy: Roman Lewandowski i Edyta Wolska
Maria Wrońska jest autorką kilkunastu indywidualnych wystaw, a na przestrzeni ostatnich lat brała także udział w blisko piętnastu pokazach zbiorowych. Wszystkie projekty wrocławskiej artystki, także te pokazywane w ramach prezentacji problemowych, są pieczołowicie przygotowywanymi realizacjami. Każda właściwie jej praca jest tworzona z myślą o konkretnym miejscu i czasie. Instalacje artystki i dzieła obiektowe cechuje poetyckość, hybrydalność i jednorazowość. To sprawia, naturalnie, że w jej przypadku praktykowanie sztuki zorientowanej na określoną przestrzeń - zarówno tę materialną jak i tę "duchową" - jest dyskursem bezinteresownym, co nie jest dziś zjawiskiem najczęstszym. Jedyny rodzaj uprawianej przez artystkę negocjacji to dysputa z sobą i z miejscem. Minimalistyczne obiekty i instalacje Marii Wrońskiej, tworzone jakby w duchu arte povera oraz poszukiwań optycznych - jakkolwiek niosą indywidualną sygnaturę - zawsze wchodzą w symbiozę z przestrzenią, wykorzystując jej potencjał, znaczeniowe nagromadzenie oraz historię.
Roman Lewandowski
Maria Wrońska is the author of a dozen or so solo exhibitions and in recent years took part also in almost fifteen group exhibitions. Wszystkie projekty wrocławskiej artystki, także te pokazywane w ramach prezentacji problemowych, są pieczołowicie przygotowywanymi realizacjami. In fact, each work of her is created with a particular place and time on mind. Her installations and object artworks are characterized by poetical, hybrid and unigue character. This naturally makes that in her case space-oriented art practicing - both material and spiritual' - is a kind of unbiased discourse, what isn't an often phenomenon today. The only way the artist negotiates is the debate with her and with the place. Maria Wrońska's minimalist objects and installations, created as if in the spirit of arte povera and optical investigations - even though they carry an individual signature - always enter a symbiosis with the space, utilising its potential, meanings and history.
Roman Lewandowski
ftlf^S&WSKA
F%mg es
6.12.2013 - 10.01.2014
Kurator: Roman Lewandowski
Projekt FOLLOWING 87, PRECEDING 89 jest próbą powrotu do idei rzeźby, traktowanej jako materialny i symboliczny substytut otaczającej nas rzeczywistości. Kryje ona w sobie jednocześnie nostalgiczno - ironiczną refleksję nad naturą procesu tworzenia, u podstaw którego leży nieustanne poszukiwanie, błądzenie i wytyczanie nowych szlaków. Potężna i niezmienna mapa nieba, utkana z 88 wyodrębnionych i nazwanych gwiazdozbiorów, od zarania dziejów pełniła rolę ważnego narzędzia nawigacji. Te czysto wirtualne figury, będące niczym innym jak wypadkową złożonej inżynierii ciał niebieskich i podążającej za nimi wyobraźni ludzkiej materializuje się w przestrzeni galerii pod postacią prostych, geometrycznych konstrukcji, nawiązujących do rzeźby abstrakcyjnej. W istocie swej, nie będąc ani abstrakcją ani studium natury, tworzą syntetyczny obraz form, istniejących na pograniczu rzeczywistości i wyobrażenia, prawdy i iluzji, naukowej wiedzy i imaginacji.
Agata Michowska
The project Following 87, Preceding 89 is an attempt to return to the idea of sculpture treated as a material and symbolic substitute for the reality around us. At the same time it contains a nostalgic-ironic reflection on the nature of the process of creation, the basis for which consists in constant searching, wandering and pioneering. From the dawn of history the powerful and unchanging sky map, woven with 88 separate and named constellations, served as an important tool for navigation. These purely virtual figures which are nothing more than the result of the complex engineering of the celestial bodies and human imagination materialize in a gallery space in the shape of simple geometric forms that refer to abstract sculpture. In essence, being neither an abstraction nor a study of nature, they create a synthetic image of forms existing on the border between reality and imagination, truth and illusion, scientific knowledge and imagination.
Agata Michowska
um
out
out
17.01 - 28.02.2014
Kurator: Roman Lewandowski
W obrazach Ciężkiego działa coś w rodzaju dialektyki negatywnej. Podstawia figurę za abstrakcję, ale zarazem nasyca ją jakościami właśnie abstrakcyjnymi. Czerń poddaje dalszej formalizacji - poprzez operację na jej fakturze, tonie, ale też potęguje jej ekspresyjny efekt. Manipuluje jej materialnością i wrażliwością na światło jednocześnie wygrywając jej potencjał wytwarzania dwuznacznej przestrzeni. Radośnie komplikuje tę grę. Podstawia nogę w mroku, myli tropy. Znak malarski nabiera u niego materialności reliefu, okazuje się niezależny od płótna. Ten mrok wyciemnienia albo po prostu nokautu to moment, kiedy czerń staje się wsysającą otchłanią, a wyobraźnia wyrywa się na dziki rajd. Ciemność zapełnia się szybko, a Ciężki w miejsce geometrycznego znaku pokazuje nam oczyszczone przez ogień krokwie, belki, konstrukcje, które w ciemności ognia uzyskały elegancję i lekkość abstrakcji, ale zarazem zachowują plastyczność i ciężar pierwotnej materii.
Michał Fopp
A kind of negative dialectic operates in the paintings of Ciężki. He substitutes figure for abstraction, but also saturates it with just abstract qualities. He subjects blackness to further formalization, operating with its texture and tone, but thus also enhancing its expressive effect. He manipulates with its materiality and sensitivity to light, simultaneously winning its potential for producing an ambiguous space.
He complicates this game happily, tripping us up in the dark and confusing clues. In his painting a painting sign gets the materiality of relief, appearing to be independent of the canvas. This darkness of blackout or knock-out is the moment when the blackness becomes a black sucking abyss that pulls our imagination on a wild rally. The darkness fills up quickly; in place of a geometric character Ciężki shows us rafters, beams and structures cleansed by fire. In the darkness of the fire they gained the elegance and lightness of abstraction, still retaining plasticity and weight of the original material.
Michał Fopp
PfSS&focZUK
Parabellum
Luger
7.03- 05.04.2014
Urszula Pieregończuk - ur. 1984. Absolwentka Wydziału artystycznego UMCS w Lublinie, dyplom na kierunku grafika 2011 r. Od roku 2008 realizuje filmy krótkometrażowe, które istnieją na pograniczu kinematografii i teatru. Jest producentem, reżyserem, scenarzystą, scenografem oraz montażystą swoich filmów. W roku 2011 zadebiutowała filmem pt: „Rosyjski romans", który zdobył II nagrodę oraz nagrodę publiczności w konkursie Samsung Art Master. Na wystawie zaprezentowane zostały fragmenty video z jej najnowszego projektu, obiekty rzeźbiarskie i malarskie.
Urszula Pieregończuk was born in 1984. She graduated from the artistic faculty of the Maria Skłodowska-Curie University in Lublin, getting the printmaker's diploma in 2011. Since 2008 she has made short films that penetrate the borderland between cinematography and theatre. She is a producer, director, screenwriter and editor of her own films. She debuted in 2011 with Russian Romance which got the 2nd prize and the audience award at the Samsung Art Master contest. This exhibition presents fragments of her video artworks from her newest project, as well as sculptural and painting objects.
The iliment
11.04-
24.05.2014
Sztuka, w moim pojęciu, to forma medytacji prowadzącej do odkrycia struktury świata i tajemnicy bytu. Próbuję ją zobrazować w malarskim cyklu „Żywioły", w którym jedną z wizualnych inspiracji stanowią m.in. dokumenty z eksploracji kosmosu. Świadomość nieskończoności wszechświata, w tym istnienia „wszechświata we wszechświecie" {vide: czarne dziury) każe zachować pokorę wobec współtworzących go żywiołów. Każdy z nich (a człowieka pojmuję jako piąty żywioł) nieujarzmiony niszczy, uspokojony daje życie i możliwość jego przetrwania. Spośród czterech żywiołów ogień i powietrze to pierwiastki męskie, a ziemia i woda żeńskie. Stąd już tylko krok do narodzin życia, którego istnienie zawdzięczamy kolejnemu żywiołowi. To właśnie piąty element - człowiek.
Ewa Pełka
To my mind art is a form of meditation leading to discover the structure of the world and the mystery of existence. I try to portray it in my painting cycle Elements in which one of the visual inspiration represent, among other things, documents from space exploration. Consciousness of the infinity of the universe, including the existence of a 'universe in the universe' (see: black holes) makes us maintain humility towards its co-creating elements. Each of them (with Man understood as the fifth element) destroys it when wild and gives life and the possibility of survival when reassured. Of the four elements, fire and air are the masculine ones, while earth and water are feminine. Only one step and we have the birth of life, the existence of which we owe to the fifth element - Man.
Ewa Pełka
Mffitfew.cz
Człowiek lub kamień albo drzewo
Man or Stone or Tree
23.05 - 29.06.2014
Kurator: Roman Lewandowski
Projekt Wojciecha Ćwiertniewicza zakłada dialogiczność z początkowymi intuicjami malarstwa, a zarazem wychodzi naprzeciw modela - widza - odbiorcy. W tym zatem sensie jest to próba pogodzenia dwóch -zdawałoby się - dość odległych stanowisk, jakimi są ludyczność i interaktywność Fluxusu z jednej strony, zaś z drugiej - metafizyczny zaśpiew kontemplatywnej pomalarskiej abstrakcji. Sztuka Ćwiertniewicza staje się w tym kontekście aktywnością czynioną trochę z Warholowskiej nudy i dla zabawy, ale też kreuje ona przestrzeń katharsis - cichej śmierci, która jest żywym i kompensacyjnym odpowiednikiem tanatosu. Nie mniej istotnym - jak się wydaje - kontekstem projektu artysty jest wcielenie i inkorporowanie tematów obecnych już we wcześniejszej twórczości malarskiej artysty, który od 2002 r. podjął się malowania klasycznego aktu. Obrazy te są uważnymi studiami nad psychoanalizą obrazu i obsesyjnym przeglądaniem się w historii obrazowania. Jednak kluczowa wydaje się w nich problematyka (nie)możności reprezentacji, którą artysta od lat konsekwentnie rozgrywa pomiędzy porządkiem odtwarzania i recepturą powtarzania. W tym sensie można traktować te prace jako epifanie - malarstwa po malarstwie, obrazu po obrazie, pamięci po (nie)pamięci.
Roman Lewandowski
The project of Wojciech Ćwiertniewicz assumes a dialogue with the initial intuitions of painting, and at the same time meets the model/viewer/recipient. In this sense, therefore, it is an attempt to reconcile two seemingly guite distant positions of ludic and interactive character of Fluxus on the one hand, and the metaphysical contemplative chant of post-painting abstraction on the other. In this context the art of Ćwiertniewicz becomes an activity of Warhol type, executed out of idle curiosity of just for fun, but also it creates a space of catharsis - a quiet death which is a living and compensating eguivalent of Thanatos. A not less important context of the artist's project is, as it seems, the incorporation of themes already present in his earlier works, since 2002 including classical nudes. These paintings are attentive psychoanalytical studies that need obsessive image examining in the mirror of painting history. However, the key issue of his painting seems to be in possibilities or impossibilities of representation which the artist has consistently treated between the order of re-creation and the recipe of repeating. In this sense, you can treat these works as epiphanies of painting after painting, image after image, and memory after memory or oblivion.
Roman Lewandowski

PfWB^LE
11.07 - 07.09.2014
Tomasz Ciecierski Ryszard Grzyb Robert Maciejuk Paweł Susid Tomasz Tatarczyk Włodzimierz Jan Zakrzewski
PENDZLE to nieoficjalna nazwa, a właściwie nawet nie nazwa, lecz jedna z wielu propozycji nazwy, które padły podczas kolejnego, przyjacielskiego spotkania przy kawiarnianym stoliku. Z czasem się utarła i nikt nie zastanawiał się więcej nad jej sensem. Było nas wówczas sześciu z Tomaszem Tatarczykiem, który zmarł cztery lata temu. Spotykaliśmy się ze średnią częstotliwością raz na miesiąc, aby w swoim towarzystwie omówić najnowsze wydarzenia, głównie w dyscyplinie: sztuki plastyczne, specjalizacja: malarstwo. Niekiedy dosiadali się mili goście i miło spędzaliśmy czas. Oprócz czysto towarzyskich, pojawiały się niekiedy pomysły i projekty bardziej „ambitne".
Tytuł wystawy - DESA NT nawiązuje zarówno do naszego wypadu z równin Mazowsza w nadmorskie okolice, jak i napiętej wciąż sytuacji związanej z kryzysem na Ukrainie. Postanowiliśmy pokazać na niej niektóre wspólne prace, które powstały niejako przy okazji dotychczasowych działań, jak na przykład obrosłe już legendą obrusy z pleneru w Toskanii.
Pendzle Group
PENDZLE is an unofficial name or rather one from among many a proposition of naming our group of friends artists, which appeared during one of our informal group meetings at a cafe table. With the lapse of time the name has become common and nobody would try to rethink its sense which in Polish means 'brushes' (in incorrect spelling, however). There had been six of us including Tomasz Tatarczyk, who died fouryears ago. On average we used to meet once a month in order to discuss in our company the newest events that happened mainly in our discipline: plastic arts, specialisation: painting. Sometimes some nice guests joined us and we had a nice time. Beside purely friendly, some more 'ambitious' ideas and projects appeared during these meetings. The title of the exhibition DESA NT refers to our trip to the seaside, as well as to the still unstable situation connected with the Ukrainian crisis. We decided to show certain joint works during the exhibition, which had appeared as if a side effect of our activity to date, like for example our legendary tablecloths from the plein-air in Tuscany.
Kzewski
Koleiny dzień
Next Day
29.09 - 03.11.2014
Kurator: Roman Lewandowski
Paweł Matyszewski ma na koncie pięć indywidualnych wystaw, udział w ponad dwudziestu wystawach zbiorowych, a ponadto jest stypendystą i laureatem wielu prestiżowych konkursów. Jego pierwsza indywidualna wystawa miała miejsce w 2008 roku w Galerii Enter w Poznaniu. W 2010 roku artysta zdobył statuetkę Srebrnej Ostrogi w Ogólnopolskim Przeglądzie Malarstwa Młodych PROMOCJE zorganizowanym przez Galerię Sztuki w Legnicy. „Jego fenomen - jak pisze Izabela Kowalczyk - polega na niezwykłym podejściu do obrazu, gdyż podstawowym medium Matyszewskiego jest malarstwo, choć tworzy on również obiekty. Dokonuje on przemieszania gatunków i konwencji, jego obrazy można odnieść zarówno do fotografii, jak i rękodzieła, niektóre jego prace uznać można bardziej za obiekty niż obrazy w tradycyjnym sensie. Na ich powierzchni odnaleźć można bowiem wypukłości, wklęsłości, a niekiedy też materię pochodzącą z zupełnie innego obszaru niż porządek obrazowy (np. ludzkie włosy)".
Paweł Matyszewski has organized five solo exhibitions and taken part in over twenty group exhibitions; moreover, he has been a scholarship holder and laureate of many prestigious contests. His first solo exhibition took place in 2008 at the Enter Gallery in Poznan. In 2010 the artist won the statue of Silver Spur at the all-Poland Young Painting Review PROMOTIONS organized by the Art Gallery in Legnica. As Izabela Kowalczyk writes," the phenomenon of Matyszewski consists in an unusual approach to pictures, since painting is his basic medium, although he creates also objects. He mixes genres and conventions; his pictures can be referred both to photography and handicraft (some of them can be treated as objects rather than paintings in traditional meaning of the word). In these pictures we can find concavities, convexities and sometimes other matter which can be quite different from what is usually used in painting (e.g. human hair)".
mmcKi
Impresie morskie
fa mpressions
11.12.2014 - 04.01.2015
Witold Lubiniecki (1940 - 2012). Artysta malarz, marynista, absolwent Wydziału Sztuk Pięknych Uniwersytetu Mikołaja Kopernika w Toruniu. Dyplom w 1964 r. w pracowni malarstwa prof. Stanisława Borysowskiego. Brał udział w ponad 200 wystawach zbiorowych oraz zaprezentował ponad 50 wystaw indywidualnych w Polsce i za granicą. Jego prace znajdują się w zbiorach muzeów: Pomorza Środkowego w Słupsku, Okręgowych w Koszalinie i Toruniu, Śląska Opolskiego w Opolu, Regionalnym w Szczecinku, Miejskim w Kappeln (Niemcy) oraz w Międzynarodowej Galerii Sztuk Współczesnej w Strumicy w Macedonii i Muzeum w Darłowie.
Witold Lubiniecki (1940-2012) was a marine painter that graduated from the faculty of fine arts at the Nicolaus Copernicus University in Toruń, getting the diploma in 1964 in Prof. Stanisław Borysowski painting studio. He participated in over 200 collective exhibitions and presented more than 50 solo exhibitions in Poland and abroad. His works are in collections of many museums, including The Central Pomerania Museum in Słupsk, District Museums of Koszalin and Toruń, Opole Silesia Museum in Opole, Regional Museum in Szczecinek, Town Museum in Darłowo, Municipal Museum in Kappeln, Germany, as well as in the International Contemporary Art Gallery in Strumica, Macedonia.
mmHk
08.01
- 20.02.2015
Kurator: Roman Lewandowski
Magdalena Starska - autorka rysunków, performances i instalacji. Ukończyła poznańską Akademię Sztuk Pięknych w 2005 r. dyplomem w pracowni prof. Jarosława Kozłowskiego. Członkini grupy PENERSTWO. Podłożem jej działań artystycznych jest zamysł kreowania sytuacji wspólnotowych. Starską interesuje, w jaki sposób to, co osobiste i indywidualne, może być wartościowe w sensie społecznym. Mieszka i pracuje w Poznaniu.
Twórczość Magdaleny Starskiej zasadza się na obserwacji elementarnych zjawisk i przedmiotów.
Starska buduje swoją sztukę za pomocą materiałów z najbliższego otoczenia, obecnych w każdym domu i w najlepszym znaczeniu tego słowa zwyczajnych. W repertuarze jej ulubionych tworzyw znajdziemy ciasto, gips czy jedzenie, ale Starska rzeźbi przede wszystkim ze spływania, migotania, odbijania się światła; z babrania się, dotykania, zaglądania, zasłaniania, macania; z lepkości, sprężystości, rozciągliwości i ruchliwości. Artystka wznosi na naszych oczach teatr, w którym główne role grają najbanalniejsze przedmioty, stany skupienia i zmysły.
Magdalena Starska is an author of drawings, performances and installation. She graduated from the Academy of Fine Arts in Poznan, getting the diploma from Prof. Jarosław Kozłowski studio in 2005. She is a member of the PENERSTWO group. Her basis for artistic activities is the idea of creating community situations. She is interested in how what's personal and individual can be of quality in social sense. She lives and works in Poznan.
Magdalena Starska's creation is based on the penetration of elementary phenomena and objects. Starska builds her works with materials taken from her closest surrounding, present at each house and common in the best meaning of the word. In the repertoire of her favourite material we can find cake, plaster or food, but Starska sculptures first of all from flowing, shimmering and reflecting light, as well as from touching, peeping, veiling, palpating, and also from messing around, stickiness, springiness, stretchablity and mobility. Before our very eyes the artist is building a theatre in which the main parts are played by the most banal objects, states of matter, and senses.
36
mmm
Grid
System
27.02 -
12.04.2015
Kurator: Ryszard Ziarkiewicz
Zbigniew Romańczuk jest absolwentem Instytutu Wychowania Artystycznego w Uniwersytecie Marii Curie-Skłodowskiej w Lublinie. Od 2006 profesor nadzwyczajny w Uniwersytecie Szczecińskim. W 2010 rozpoczyna pracę w Akademii Sztuki w Szczecinie. W latach 2010-2012 prorektor ds. artystycznych i nauki Akademii Sztuki w Szczecinie. Od 2012 prorektor ds. nauki Akademii Sztuki w Szczecinie.
„Grid System" to wystawa malarstwa i obiektów z cyklu rozpoczętego przez artystę ok. 2010 roku charakteryzującym się zainteresowaniem nowoczesnymi technologiami cyfrowymi i ich wykorzystaniem w tworzeniu płaszczyzny obrazu. Prace z tego cyklu oparte są na zapisie cyfrowym określającym pikselową strukturę obrazu. Powstają kompozycje oparte na konfiguracji geometrycznych elementów z efektami optycznymi oraz cykl obrazów o gęstych strukturach modularnych, podporządkowanych dyscyplinie rytmu.
Zbigniew Romańczuk has graduated from the institute of artistic education of the Maria Skłodowska-Curie University in Lublin. Since 2006 he has been a professor at the Szczecin University. In 2010 he began to work at the Art Academy in Szczecin, in the years 2010-2012 at the post of the deputy vice chancellor for artistic education, and since 2012 as a deputy vice chancellor for research of the Art Academy in Szczecin.
Grid System is the exhibition of paintings and objects from the cycle the artist begun around 2010. The cycle is characterized by the artist's interest in modern digital technologies and their use in creating the surface of a picture. The works that belong to the cycle are based on the digital recording which determines the pixel structure of a picture. In this way the artist arranges compositions which are based on the configuration of geometric elements with optical effects, as well as the cycle of pictures of dense modular and rhythmically disciplined structures.
«
§ piegei
piegei
17.04
22.05.2015
Kurator: Roman Lewandowski
Tomek Baran urodził się w 1985 r. w Stalowej Woli, mieszka i pracuje w Krakowie. Dyplom uzyskał w 2010 r. na Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie na Wydziale Malarstwa. Wystawy indywidualne jego prac odbyły się m. in. w Bunkrze Sztuki, Galerii AS, Galerii Delikatesy w Krakowie, Galerii MDS we Wrocławiu. Brał także udział w wielu wystawach zbiorowych w Polsce i za granicą. W 2010 roku odbył rezydencję w Montrouge, a w 2012 został laureatem międzynarodowej nagrody Strabag Artaward. Laureat wyróżnienia czasopisma „Art&Business" podczas 10. Konkursu Gepperta (2011). Mieszka i pracuje w Krakowie.
Ten młody znakomity malarz, który dał się do tej pory poznać dzięki niezwykłym obrazom nawiązującym do sztuki abstrakcjonistów ekspresyjnych, ukazuje zaangażowanie w coś, z czym malarstwu nie jest po drodze - spektakl, przestrzeń i tymczasowość. Dlatego też ta wrażliwość na przestrzeń oraz poszukiwanie powiązań pomiędzy światłem a kolorem przywodzą na myśl raczej działania Olafura Eliassona, który bada mechanizmy percepcji, angażując widza w swój spektakl, aniżeli statyczne obrazy abstrakcjonistów.
Tomek Baran was born in 1985 in Stalowa Wola; he lives and works in Cracow. He graduated from the faculty of painting at the Academy of Fine Arts in Cracow in 2010. He presented his works at some solo exhibitions at the Bunkier Sztuki Gallery, AS Gallery, and Delikatesy Gallery in Cracow, as well as at the MDS Gallery in Wroclaw. He has taken part in many group exhibitions in Poland and abroad. In 2010 he got an art residency in Montrouge, and in 2012 became a laureate of the international Strabag Artaward. He was also awarded by the "Art&Business" magazine during the 10th Geppert contest (2011).
This young outstanding painter has become well known thanks to his unusual pictures that referred to the art of expressive abstractionists. He is involved in things that are not common for painting, namely the spectacle, space and temporariness. This is the reason why his sensitivity to space and his looking for connections between light and colour bring to mind the activity of Olafur Eliasson, who has investigated the mechanisms of perception, encouraging the viewer to his spectacles rather than to the static pictures of abstractionists.
Kilkanaście nowych obrazów
A Dozen orSo Wew Pictures
28.05 - 12.07.2015
Kurator: Roman Lewandowski
Jarosław Modzelewski - polski malarz, rysownik, pedagog. Studiował w Warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych, uzyskując 1980 r. dyplom w pracowni prof. Stefana Gierowskiego. Był współzałożycielem „Gruppy" i uczestniczył we jej wystawach w latach 1982-1983. Współredagował organ Gruppy „Oj dobrze już" (1984-1988). Od 1982 pracuje jako pedagog w macierzystej uczelni. Jesienią 1984 r. przebywał wraz z Markiem Sobczykiem na stypendium w Niemczech Zachodnich. W latach 90. prowadził, wspólnie z Markiem Sobczykiem i Piotrem Młodożeńcem prywatną Szkołę Sztuki w Warszawie. Na przełomie 2001 i 2002 pojawiły się nowe wątki w twórczości artysty, prezentowane na wystawie "Obraz jako wyraz obserwacji wnętrza kościelnego" (Galeria Kordegarda w Warszawie) jako efekt nowego obszaru zainteresowań wnętrzem kościołów, zwłaszcza prozaicznością kontrastującą z ich duchowym i sakralnym wymiarem. W 2016 r. w gdańskiej Łaźni planowana jest wystawa: „Tabela Co? Czym? [ polityka ]", która nawiązuje i jest rozwinięciem wystawy „Co? Czym?", pierwszego wspólnego projektu malarskiego Jarosława Modzelewskiego i Marka Sobczyka (którzy od 1984 realizują wspólne malowanie obrazów), pokazanego w tejże Łaźni w 2000 r.
Jarosław Modzelewski - a Polish painter, draughtsman and pedagogue. He studied at the Academy of Fine Arts in Warsaw, getting the diploma from Prof. Stefan Gierowski studio in 1980. He was a cofounder of the „Gruppa" artistic team, participating in their exhibitions in the years 1982-1983. He was a coeditor of their artistic magazine "Oj dobrze już" (1984-1988). Since 1982 he has worked as a pedagogue at the Academy of Fine Arts in Warsaw. In the autumn of 1984 he was a grantholder in Germany together with Marek Sobczyk. In the 90s he had run a private art school in Warsaw together with Marek Sobczyk and Młodożeniec. In 2001 and 2002 new threads have appeared in his works presented at the exhibition Pictures as an expression of watching a church interior (Kordegarda Gallery in Warsaw) as an effect of new area of interest in church isides, especially with their prozaic character contrasting with their spiritual and sacred features. In the years 1991-1996 the artist has founded and run a private art school in Warsaw, together with his fellow members of the Gruppa artistic team.

MTAW>CZN,K
Prywatność
3 Privacy
16.07- 30.08.2015
Jolanta Wołocznik w latach 1974-1979 r. studiowała na Wydziale Rzeźby ASP w Warszawie; dyplom z wyróżnieniem uzyskała w Pracowni Małych Form Rzeźbiarskich prof. Zofii Demkowskiej. W latach 1992-2005 brała udział w organizowanych przez ZPAP plenerach ceramicznych oraz rzeźby w kamieniu, a od 2005 prywatnie kontynuuje coroczne pobyty twórcze w CRP w Orońsku. Zajmuje się malarstwem, rzeźbą, ceramiką i filmem animowanym, choć najchętniej wypowiada się poprzez rzeźbę w kamieniu.
Paweł Susid - malarz, rysownik, projektant, pedagog. Zajmuje się także aranżacją wystaw, projektowaniem reklam oraz tworzeniem projektów wydawniczych. W latach 1973-78 studiował na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Dyplom uzyskał w pracowni prof. Tadeusza Dominika, aneks z litografii w pracowni prof. Mariana Rojewskiego. W latach 1984-92 prowadził Galerię Młodych przy KMPiK „Bielany" w Warszawie.
Jolanta Wołocznik studied at the faculty of sculpture of the Academy of Fine Arts in Warsaw in the years 1974-1979, getting the diploma with honorary mention from Prof. Zofia Demkowska small sculptural forms studio. In the years 1992-2005 she took part in ceramic and stone sculpture plein-airs organised by the Polish Union of Artists and Designers; since 2005 she has continued heryearly artistic residencies at the Centre of Polish Sculpture in Orońsko. She cultivates painting, sculpture, ceramics and animated film; however her most favoured means of expression is stone sculpture.
Paweł Susid is a painter, draughtsman, designer and pedagogue. He also deals with exhibition arranging, advertisement design and editorial projects. In the years 1973-78 he studied at the faculty of painting of the Academy of Fine Arts in Warsaw, getting the diploma from Prof. Tadeusz Dominik studio, with the annexe from Prof. Marian Rojewski lithography studio. In the years 1984-92 he ran the gallery of the young at the Bielany club in Warsaw.
I
J
fó^ASEWICZ
Nąjrame mem
€ resting
Number
19.11.2015 - 10.01.2016
Kurator: Roman Lewandowski
Wystawa Izy Tarasewicz "Najmniejsza z liczb nieinteresujących" eksponuje funkcję spichlerza, jaką pełniła wcześniej przestrzeń wystawowa, podkreślając, że Centrum Aktywności Twórczej to miejsce przejściowe, służące do składowania, gromadzenia, organizacji i ewidencji materii, miejsce sporządzania inwentarza. Podobnie jak magazyn zboża wystawa stanowi przestrzeń, w którą wprowadza się zasoby i surowce, poddaje przeróbce, a następnie rozsyła, albo kolekcję czasoprzestrzennych wydarzeń, gdzie różne formy materii spotykają się, wiążą i wchodzą ze sobą w interakcje. Przez połączenie abstrakcyjnych logik przemysłu, rolnictwa, matematyki, ekonomii i nauki artystka zamienia przestrzeń wystawy w logistyczny ekosystem zarządzający rachunkiem i ruchem rzeczy, jak również przebiegami diagramów, wymian, relacji i łańcuchów dostaw.
Post Brothers
Drawing attention to the exhibition hall's former use as a granary, Iza Tarasewicz's solo exhibition The Smallest Uninteresting Number emphasizes the Centre For Creative Activities as a temporary site for the storage, accumulation, organization and itemization of matter, a place for taking stock. Like a warehouse, the exhibition is a locus where resources and raw materials enter, are processed, and then sent out, a collection of spatiotemporal events where various forms of matter meet, merge, and interact. Conflating the abstract logics of industry, agriculture, mathematics, economics, and science, the artist turns the exhibition space into a logistical ecosystem that manages the counting and movement of things, and charts flows, exchanges, relationships, and supply chains.
Post Brothers
mmz
*
22.01 - 03.04.2016
Mariusz Wolny - urodzony w Noc Świętojańską w 1980 roku w Głownie. Absolwent archeologii Podwodnej na Uniwersytecie Mikołaja Kopernika w Toruniu oraz Rzeźby na Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Tworzy rzeźby, instalacje, plakaty, fotografie, rysunki oraz muzykę eksperymentalną. Jego prace dotykają współczesnych problemów, skłaniając odbiorcę do refleksji nad sobą samym.
Mariusz Wolny was born on Midsummer's Night 1980 in Głowno. A graduate from Sculpture at the Academy of Fine Arts in Warsaw, as well as underwater archeology at the Nicolaus Copernicus University in Torun. He creates installations, sculptures, posters, drawings and experimental music, and is also involved in photography and interventions in public space. Commenting on the reality, Wolny prompts the recipient to reflect on himself.
irw
Gatunki przestrzeni
The species ot Spaces
08.04 - 26.06.2016
Kurator: Roman Lewandowski
Wystawa Mirosława Bałki pt. "Gatunki przestrzeni" składa się z ośmiu projekcji wideo, dokumentujących pierwszy „kontakt" artysty z przestrzeniami, które miały stać się niebawem miejscem przyszłych, indywidualnych wystaw. Bałka wybrał zarejestrowany wcześniej materiał w salonach wystawienniczych Modern Art (Oxford), Kunsthalle (Karlsruhe), Douglas Hyde Gallery (Dublin), Dvir Gallery (Tel Aviv), Gladstone Gallery (Nowy Jork), Centrum Aktywności Twórczej (Ustka) i Freud Museum (Londyn), a także swoją pracownię mieszczącą się w Otwocku. Projekt ten w zamyśle miał zatem stać się polifoniczną próbą artykulacji dialogiczności różnych, niejednokrotnie bardzo odmiennych architektonicznie, miejsc. Galerie te zresztą posiadają nie tylko inną kubaturę, narodowościowy anturaż oraz kulturowe funkcje,
ale - co interesujące - część spośród nich służyła w przeszłości innym celom i posiada ewidentnie nieartystyczną genealogię. I tak na przykład izraelska Dvir Gallery mieści się na terenie dawnej fabryki urządzeń sanitarnych, z kolei przestrzeń Gladstone Gallery była garażem dla nowojorskich taksówek, zaś Freud Museum - domem mieszkalnym, podczas gdy Centrum Aktywności Twórczej w Ustce w XIX wieku pełniło funkcje pruskiego spichlerza. Trzeba też przypomnieć, że pracownia w Otwocku mieści się w rodzinnym domu artysty, co sprawia, że - w przeciwieństwie do pozostałych - jest to stricte „prywatna" przestrzeń artysty, z którą łączą go również więzi intymne i częściowo tylko upubliczniony kompleks biograficzny.
Roman Lewandowski
The Mirosław Bałka exhibition entitled "Space Species" consists of eight video projections documenting the first contact' of this artist with the spaces which were to becomo the place of his future solo exhibitions. Bałka has chosen the material previously registered at the exhibition salons of the Modern Art Gallery (Oxford), Kunsthalle (Karlsruhe), Douglas Hyde Gallery (Dublin), Dvir Gallery (Tel Aviv), Gladstone Gallery (New York City), the Centre for Creative Activities (Ustka) and the Freud Museum (London), and his own artistic studio in Otwock. The idea of the project is to make an attempt at polyphonic articulating the dialogic character of architecturally strongly differentiated places. These galleries, moreover, not only have different cubic capacity, ethnic entourage and cultural features, but, interestingly, most of them served for other purposes in the past and had obviously non-artistic genealogy. For example, Israeli Dvir Gallery is housed in a former sanitation factory, while the space of the Gladstone Gallery was a garage for New York taxis, and the Freud Museum - a residential house, while the Centre for Creative Activities in Ustka served as a Prussian town granary in the nineteenth century. It should also be noted that the artist's artistic atelier in Otwock is located in the artist family house, which makes that, in contrast to the other, it is a purely 'private' space of the artist, with which he is tied also with intimate ties and only partially public biographical complex.
Roman Lewandowski
Apologia przypadkowości
Apology offtandomness
07.07 - 03.10.2016
Kurator: Roman Lewandowski
Projekt wystawy „Apologia przypadkowości" zainspirowany jest tytułem książki Odo Marquarda, który był jednym z najważniejszych europejskich myślicieli świata ponowoczesnego. W 1984 r. został uhonorowany Nagrodą im. Zygmunta Freuda (Sigmund Freud-Preis). Jakkolwiek Marquard przez niektórych krytyków postrzegany był jako „sceptyczny hermeneuta, transcendentalny beletrysta czy tradycjonalista nowoczesności", bez wątpienia jego filozoficzna i antropologiczna postawa wymyka się mass-medialnym etykietom, ponieważ kluczową dlań figurą społecznego dyskursu był człowiek postrzegany jako istota o tożsamości procesualnej, który został niejako wrzucony w istnienie i dopiero musi odnaleźć dla siebie sankcje i gwarancje. Jest to jednostka starająca się nadać sens własnej opowieści oraz całej historii, ponieważ - jak pisał był - „jesteśmy śmiertelni () i skazani na naszą przeszłość. Przyszłością każdego jest swoiście jego śmierć: życie jest krótkie, vita brevis. Ta skąpość czasu, którym dysponuje człowiek - moriturus świadomy tego, że jest moriturus - wydaje go temu, czym już był: jego przeszłości". Projekt wystawienniczy „Apologia przypadkowości" odnosi się do niektórych wątków twórczości filozoficznej Marquarda, a w szczególności do roli i funkcji przypadku w kształtowaniu się jednostkowych i kolektywnych losów - tak ludzi, jak i miast.
Roman Lewandowski
The exhibition project Apology of Randomness is inspired by the title of the book by Odo Marquard, who was one of the most important thinkers of the postmodern world. In 1984, he was awarded the Sigmund Freud Prize by the Deutsche Akademie fur Sprache und Dichtung. Even though Marquard was seen by some critics as a "skeptical hermeneutist, transcendental fiction writer and a traditionalist of modernity, without a doubt his philosophical and anthropological attitude defies mass-media labels, since a key figure of social discourse for him was the man seen as a being of processual identity, who was as if thrown into existence, and only had to find the sanctions and guarantees for himself. The man is an individual seeking to make sense of his own story and history as a whole, because, as he wrote, "we are mortal () and sentenced to our past. The future of each of us is specifically in our death: life is short, vita brevis.
This scarcity of time that is left at human disposal makes the mortal man - who is aware that he is moriturus - contingent upon whom he had been, i.e. on his past." The exhibition project Apology of Randomness is intended to refer to some of the themes of the philosophical creativity of Marquard, and in particular to the role and function of accident in the formation of individual and collective fate,
both of people and cities.
Roman Lewandowski




















ii

RTIST-
RESIDENCE
Ostatni element puszki Pandory
The Last Piece of Pandora s Box
01 - 30.04.2014
Projekt „Ostatni element puszki Pandory" powstał podczas rezydencji dwóch artystek - Laury-Jane Atkinson (Wielka Brytania) i Hildegardy Skowasch (Niemcy), które przez cztery tygodnie pracowały w Centrum Aktywności Twórczej w ramach programu artist-in-residence. Pokrótce okazało się, że w swojej twórczości dostrzegają one wiele wspólnego, co skłoniło je do współpracy. Na wspólną wystawę złożyły się instalacje, będące rezultatem wzajemnej interakcji i dialogu pomiędzy artystkami. Zabawne prace są intuicyjnie prowadzone przez wzór, koloryt i materiał.
The project The Last Piece of Pandora's Box came to being during the stay of the two artists, Laura-Jane Atkinson (United Kingdom) and Hildegard Skowasch (Germany), who met in Ustka, working for four weeks at the Centre for Creative Activities under the artist-in-residence programme. Soon it turned out that in their work they saw a lot in common, which prompted them to collaborate. Their joint exhibition consisted of installations which were the result of mutual interaction and dialogue between artists. Funny work is intuitively guided by the pattern, colour and material.
i
mmmmm
ose
04.05 -31.07.2014
Wystawa „The Far is Close" stanowi podsumowanie trzymiesięcznego pobytu Anny Apletievy i Andrew Sakuna (Ukraina) w Centrum Aktywności Twórczej w Ustce. Ekspozycja składa się z serii prac graficznych oraz wideo. Rysunki to proste „westchnienia" graficzne, składające się z różnych elementów, które odnoszą się do powstań na Ukrainie, nadziei na przyszłość, lęków i zagrożeń, których doświadczają mieszkańcy tego kraju. Wszystkie te elementy, chociaż mają inne znaczenie, nadal mogą współistnieć razem - w obliczu wspólnego zagrożenia. Głównym rdzeniem projektu są wydarzenia, które rozpoczęły się podczas ostatniego konfliktu na Ukrainie. Wybrane prace są rodzajem osobistego pamiętnika artystów.
The exhibition The Far is Close is a summary of three-month stay of Anna Alpatieva and Andrew Sakun (Ukraine) at the Centre for Creative Activities in Ustka. The exhibition consists of a series of prints and video works. The drawings are simple graphic sighs' made up of different elements that relate to the uprisings in Ukraine, hopes for the future, as well as fears and threats faced by the people of this country. All these elements, although they have different meanings, still can co-exist together in the face of a common threat. The main core of the project is the events that began during the recent conflict in Ukraine. The selected works are a kind of personal diary of the artists.
I J
WMRTI
Various Forms of Night
01.07 - 27.08.2014
Agenor Marti Fernandez (Kuba) - absolwent Nauk Komunikacji Społecznej oraz Reklamy. Ukończył obydwa kierunki na Uniwersytecie Ameryk w Urugwaju. Artysta uprawiający sztuki wizualne, włączając w to twórczość ilustracyjną i animację.
Agenor Marti Fernandez zawsze interesował się znakiem i symbolem. Uważa, że są one czymś na kształt układu krążenia dla tego, co nazywamy 'ludzkim doświadczeniem'. W ostatnich latach zajął się eksploracją innych systemów reprezentowania, zwłaszcza map. W swoich nowych pracach stara się skutecznie zaadaptować wizualny świat kartografii. Fernandez uważa to za sprawę najwyższej wagi. Po pierwsze, jeśli chodzi o myślenie o świecie, który jest nieskończenie skomplikowany i o zweryfikowanie kluczowych pojęć, wokół których konstruujemy nasze życie; zwłaszcza pojęć takich jak 'kraj' i 'terytorium'. Prace, które stworzył podczas rezydencji składały się z dwóch równoległych działań. Pierwsze były analogowe i polegały na pracy w studio nad nowymi dziełami. Drugie działanie miało charakter teoretyczny o równie dużym znaczeniu. Polegało ono na wypracowaniu konceptualnych wskazówek działania pierwszego. Rezultatem tej części działań był esej czy raczej zalążek książki.
Agenor Marti Fernandez (Cuba) is a graduate of the Sciences of Social Communication and Advertising, completing both these matters at the University of the Americas in Uruguay. He is an artist cultivating visual arts, including illustrative works and animation.
Agenor Marti Fernandez has always been interested in signs and symbols. He believes they are the circulatory system of what we call 'human experience'. However, in recent years he has been exploring other representational systems, especially those of maps. In his new body of work the goal is to successfully assimilate the visual world of cartography into his paintings. Fernandez considers this to be of the utmost importance. First when it comes to the rethinking of a world that is infinitely complex and the rethinking of key concepts around which we construct our lives, i.e. concepts Like 'land' and 'territory'. The work he realized at the residency consisted of two parallel sets of activities. The first was analogue and consisted in studio work on new pieces. The other was theoretical and also of the utmost importance. It had to do with setting conceptual guidelines around the first. The end result of this half was an essay or the foundations of a book.
RAFI MUNZ
Szczeście w czerni i bieli
lite
bzczescie w cz<
Happiness in Blac
01.08 - 04.09.2014
Projekt izraelskiego artysty koncentruje się na szukaniu relacji oraz dialogu pomiędzy mediami, a w szczególności, malarstwem oraz rzeźbą. Ingerencje i ozdobniki, wprowadzane przez artystę, stanowią próbę niestandardowego spojrzenia na klasyczne dyscypliny artystyczne.
„Powierzchnie na częściach obrazu trójwymiarowego - jak twierdzi artysta - mogą być traktowane jak obrazy, które mogłyby istnieć samodzielnie. Części malowane mogą służyć jako 'podkład muzyczny', opowiadając dodatkowe historie i poszerzając estetyczny i tematyczny zakres oddziaływania figur. Nie wykluczam jednak, że widzowie będą może interpretować części malarskie, jako główny problem pracy lub odwrotnie...".
In his project, the Israeli artist focuses on finding relations and dialogue between the media and, in particular, painting and sculpture. Interventions and ornaments, introduced by the artist, are an attempt to custom look at classic artistic disciplines.
"The surfaces on the parts of the three-dimensional image, as the artist claims, can be treated as images that could exist independently. The painted parts can serve as the 'background music', telling additional stories and expanding the aesthetic and thematic range of the figures' impact. I do not exclude, however, that the viewer could interpret the painting parts of my works as the major issue or vice versa...".
AW
quare
quare
01.08 - 30.09.2014
Istotę życia każdego człowieka stanowi szereg konfliktów. Czy są to wewnętrzne konflikty ludzkiej duszy czy spory z innymi, wszystkie te konflikty dają każdemu człowiekowi motywację, aby utrzymać dobrą wolę przetrwania i życia. Te konflikty są głównym paliwem, które przyczyniają się do utrzymania życia. "Prezentowana przeze mnie „przeglądarka" oparta jest na pracy, gdzie grupy słów są wyświetlane i rzucone ku widowni w ciemnym pomieszczeniu, za pomocą trzech kolorów (niebieski, zielony, czerwony) jako rodzaj konfliktu. Widz musi wkroczyć w obszar wyświetlania, co da mu odczucie znalezienia się w obrębie konflikcie. Sceny + przestrzeń = interaktywna scena wizualizacji".
Ahmed Hełmy (Egipt)
The essence of every human life is a series of conflicts. Whether they are internal conflicts of a human soul or the disputes with others, all these conflicts give every person some motivation to maintain good will to survive and live. These conflicts are the main fuel that contributes to maintain life. "The "browser" presented by me is based on the work, where groups of words are displayed to the audience in a dark room with the use of three colours (blue, green and red) as a kind of conflict. The viewer must enter the display area, which will give them the feeling of being in a conflict. Scenes + space = interactive visualization scene".
Ahmed Helmy (Egypt)
itófita brande
Inteytidal
stories
pobyt / residence 03 - 30.01.2014 wystawa / exhibition 27 - 28.09.2014
Katrien Van den Brande (Belgia, Holandia) była pierwszą artystką, która w styczniu 2014 przebywała w Centrum Aktywności Twórczej w Ustce w ramach programu artist-in-residence.
Katrien pochodzi z Belgii, ale obecnie mieszka w Holandii. Nieobce są jej różne dziedziny sztuki. Z wykształcenia jest doktorem nauk medycznych w Rijksuniversiteit Utrecht oraz oraz magistrem sztuk pięknych w Avans Hogeschool (Akademia Sztuk i Projektowania). Od 2004 roku aktywnie udzielała się również jako nauczyciel fotografii, rysunku i malarstwa. W jej twórczości dominuje fotografia i rysunek. Chętnie podejmuje tematy ekologii oraz natury. Jej wystawa prezentuje prace powstałe podczas pobytu artystki w Ustce. Tytuł pracy inspirowany jest nauką ekologii pływów, co w tym przypadku interpretowane jest dosłownie (biologicznie), jak i metaforycznie (psychologicznie / filozoficznie / kulturowo).
Katrien Van den Brande (Belgium, the Netherlands) was the first artist who spent her time at the Centre of Creative Activities in Ustka under the artist-in-residence programme in January 2014. Katrien is from Belgium but now she lives in the Netherlands. Various fields of art are not strange to her. She was trained as a medical doctor in Rijksuniversiteit Utrecht and got a master degree of fine arts from Avans Hogeschool (Academy of Arts and Design). Since 2004 she has been active also as a teacher of photography, drawing and painting. Photography and drawing dominates in her work. She is happy to take the themes of ecology and nature. Her exhibition presents her works created during her stay in Ustka. The title work is inspired by the ecology of tides, which in this case is interpreted literally (biologically) and metaphorically (psychologically / philosophically / culturally).
§8(M
ta
. Local
Ice Cream
01.09 - 31.10.2014
Ronda Bautista dyplom Sztuk Pięknych w Akademii Sztuk Pięknych w Cuenca uzyskała w 2007 r.
Dwa lata później, w 2009 roku, ukończyła studia doktoranckie na Akademii Sztuk Pięknych w Pontevedra.
„Kiedy jakaś rzeczywistość się kończy, czasem warto ją stworzyć na nowo. Gdy w Polsce kończy się lato, zamiast jesieni często od razu przychodzi zima. W tym czasie między jednym i drugim latem istnieje coś w rodzaju oczekiwania, które przynosi zmiany w człowieku, na różnych płaszczyznach życia, od nawyków i zachowań począwszy, aż po metamorfozy otaczającego nas krajobrazu. Ta wystawa nie chce bronić żadnej pory roku. Krąży za to wokół momentu 'interim', który ma miejsce pomiędzy nimi".
Ronda Bautista (Hiszpania)
Ronda Bautista got the diploma in fine arts at the Academy of Fine Arts in Cuenca in 2007. Two years later, in 2009, she completed her doctoral studies at the Academy of Fine Arts in Pontevedra.
"When a reality ends, sometimes you create it anew. In Poland it happens that after a summer a winter comes instead of an autumn. At the period between one summer and another there is a kind of expectation which brings changes to a person in different aspects of life, from the habits and behaviours ranging up to the metamorphoses of the surrounding landscape. This exhibition does not want to defend any season, but it circulates around certain 'interim' which takes place between them".
Ronda Bautista (Spain)
kl&ngjae
Br^kfitg
01.09 - 25.11.2014
W swoim usteckim projekcie próbowałem podejść do tematu codzienności, składającej się z powtarzalności. Wykorzystałem w tym celu cechę metody fotograficznej, którą jest właśnie powtarzanie. Innymi słowy - procesy fotograficzne, obramowane ujęcia oraz stykówki są rezultatem mojej pracy, na którą złożyły się ukazanie oraz połączenie powtarzalności codzienności oraz struktury różnic, które pozwoliły mi zaproponować nowy punkt widzenia. W konsekwencji, oczekuję, iż fotografia pozwoli ludziom (odbiorcom) uzyskać różne punky widzenia codzienności.
Lee Seungjae (Korea Południowa)
In my Ustka project I tried to approach the subject of everyday life, consisting of repeatability.
To this I used the feature of the photographic method, which is just repetition. In other words, photographic processes, framed shots and contact sheets are the result of my work in which I show the repeatability of everyday life and the structure of differences; this allowed me to propose a new point of view. Consequently, I expect that photography will enable the viewer to get different points of view on everyday life.
Lee Seungjae (South Korea)
72
mm ki
Przestwór
Expanse
17.11 - 05.12.2014
[fine art performance series]
Zygmunt Piotrowski (Noah Warsaw) ukończył Akademię Sztuk Pięknych w Warszawie (1968-74). Od początku Lat 70. aktywny uczestnik ruchu kultury niezależnej, gdzie prowadził interdyscyplinarne prace studyjne w problematyce współdziałania w procesie twórczym (1972-81). Uczestniczy w międzynarodowym ruchu sztuki niezależnej (BLACK MARKET International) promując idee kształcenia alternatywnego. Od roku 2009 prowadzi działalność pod nazwiskiem NOAH WARSAW rozszerzając formułę działań performatywnych w dziedzinę ART FOREGROUND. W roku 2011 jako stypendysta Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego publikuje założenia teoretyczne nowej dyscypliny artystycznej: Groundwork / Fine Art: "Spatial Paradigm of Infinity".
Artysta pracuje ponad i poza rzeczywistością świata przedstawionego, gdzie punktem wyjścia jest głębia ludzkiego ciała i poszukiwanie źródeł sublimacji duchowej. Jego narzędziem jest pręt mierniczy wskazujący kierunki przestworu. Linią prowadzoną w powietrzu projektuje lekkość przestrzeni a pozostając w uważności wobec czasu odmierzanego oddechem otwiera się na przypadek losowy ujawniany błędem w sztuce.
Zygmunt Piotrowski (Noah Warsaw) was born in 1947 in Zabrze. He studied at the Academy of Fine Arts in Warsaw (1968-74). Since the beginning of the 70s he has been an active participant of the independent cultural movement, running some interdisciplinary studies on the role of collaboration in the creative process (1972-81). He has taken part in the international independent art movement ("Black Market" International), promoting the ideas of alternative education. Since 2009 he has acted under the name of NOAH WARSAW, expanding the formula of performative actions into the discipline of ART FOREGROUND. As a scholarship holder of the Minister of Culture and National Heritage in 2011 he published the theoretical assumptions for new artistic discipline Groundwork / Fine Art: "Spatial Paradigm of Infinity". The artist works upward and beyond reality of the represented world. While seeking for the sources of spiritual sublimation he starts from the depth of human body. The artist uses a measuring rod with which he indicates directions of the expanse as well as the lightness of the vastness with a shape of line drawn in the air. He remains in vigilance of the breath-measured time and opens himself to random incidents which might be missed in case of simple errors on art.
74
IM0E
Autoprezentacja
Se it-prese ntatio n
24.11 - 23.12.2014
Marion Delarue (Francja) urodziła się w 1986 r. Prace Delarue są wystawiane w galeriach i muzeach w wielu krajach europejskich, m.in. we Francji, Belgii, Holandii, Niemczech, Rumuni, Austrii, Szwecji oraz w Kanadzie, a także w krajach azjatyckich, takich jak Tajlandia, Mongolia, Chiny i Korea Południowa. Jest także finalistką francuskich, belgijskich, niemieckich i chińskich konkursów ceramiki współczesnej i sztuki użytkowej.
„Moja praca opiera się głównie na pojęciu artystycznych przedmiotów do noszenia na ciele. Rzeczywiście, projektując jakiś przedmiot trzeba myśleć nie tylko o jego fizycznej naturze, ale - co ważniejsze - o jego relacji z ludzkim ciałem. Ma to dla mnie zasadnicze znaczenie. Ten związek daje przedmiotowi zupełnie nowy sens. Wzbogaca go, jednocześnie czyniąc bardziej skomplikowanym, nadając mu dodatkowy wymiar. Taki przedmiot nie ma na celu przekształcania ciała. Jego celem jest tylko zmiana naszego postrzegania ciała. Nie faworyzuję żadnego określonego materiału czy przedmiotu; zależy mi raczej na wyborze najbardziej odpowiedniego materiału dla każdego projektu i jak najlepsze jego wykorzystanie.
Bez wahania stosuję wyszukane techniki, do których podchodzę w sposób tradycyjny bądź eksperymentalny, starając się osiągnąć pożądany wygląd, zachowując wrodzoną naturę obiektu".
Marion Delarue
Marion Delarue (France) is born in 1986. Delarue's work is exhibited in galleries and museums in many Western countries such as France, Belgium, the Netherlands, Germany, Romania, Austria, Sweden, and Canada as well as in Asian countries like Thailand, Mongolia, China and South Korea. She is also a finalist at French, Belgian, German and Chinese contemporary ceramic and applied arts awards.
"My work is mainly based on the notion of wearable objects. Indeed, designing an object means not only thinking about its physical nature but more importantly its relationship with the human body. This is essential to me. This relationship gives the object a whole new meaning . It enriches it while also making it more complicated by giving it an extra dimension. The object does not aim at transforming the body. Its purpose is only to modify our perception of the body. Because I do not favour any particular material or object, I am keen on choosing for each project the most appropriate material and developing its properties as much as possible. I will not hesitate to use elaborate techniques, which I will approach in a traditional or experimental way to reach the desired appearance, while preserving the inherent nature of the object".
Marion Delarue
M0HAMED
Oszołomione masy
Bewildered Masses
02 - 26.02.2015
„Używam fotografii do wyrażenia mojej interpretacji otaczającego mnie świata, do eksploracji fragmentów życia jako abstrakcyjnych form, do wejścia w całkowicie odmienny wymiar rzeczywistości oraz do rozwijania mojego intuicyjnego rozumienia ukrytych znaczeń bytu i życia. Inspirują mnie chwile utraty pamięci; dlatego traktuję aparat fotograficzny jak czarodziejską różdżkę, która zatrzymuje chwilę w upływającym czasie i zapisuje ją w celu zapamiętania. (...) Moja praca polega głównie na fotografowaniu. Każdy obraz składa się z wielu fotografii łączonych w sposób wytwarzający odpowiedni nastrój. Moja fotografia zależy od tworzonych warstw obrazu, kaligrafii i opowieści; każdy obraz ma swoją wyobraźnię, pamięć, myśl, duszę i głębię; ukończona praca stara się drążyć ulotne tajemnice".
Maryam Mohamed Hassan (Egipt)
"I use photography to express my interpretation of the world around me, to explore fragments of life as an abstract form, to pass into a totally different dimension of reality, and expand my intuition to understand the hidden meanings of being and of life. I am inspired by the moments we lose of memory, so I consider my camera like a magician stick, that preserve a moment in moving time, record it to be remembered. (...) My work is mainly photography. Each image is composed of many photographs,
combined to create a mood. My photograph depends on creating layers of imagery, calligraphy, and story, each image has its own imagination, memory, thought, soul and depth finally I get completed work follows the elusive mysteries".
Maryam Mohamed Hassan (Egypt)

A leap into
the snaaows
27.02 - 30.04.2015
Giuseppe Santagata (Hiszpania) studiował fotografię w Szkole Sztuki i Projektowania im. Antonio Failde (AESD) w Ourense (Hiszpania) i uzyskał międzynarodowy dyplom mistrzowski Szkoły Fotografii i Obrazowania (EFTI) w Madrycie w zakresie fotografii konceptualnej i artystycznej. Jego prace pokazywane były na wystawach w Nowym Jorku, Madrycie, Rzymie, Daegu i Valladolid.
Wystawa prezentuje najnowszy projekt pt. Wejście w cień. Jest to cykl fotograficzny, zapoczątkowany we Włoszech i kontynuowany w Nowym Jorku, Korei i Hiszpanii, w którym artysta stara się zagłębić i skupić na dwóch pozornie różnych i sprzecznych fazach rzeczywistości: końcu i początku dorosłego życia. Zestawiając ludzi wiekowych z dorastającymi, próbuje zwrócić uwagę na cierpienie i niepewność, z jakimi te dwie grupy się borykają w różnych częściach świata i odmiennych sytuacjach społeczno-ekonomicznych, ze szczególnym uwzględnieniem ich losu i przeznaczenia.
Giuseppe Santagata (Spain) received a B.A and a M.A in Law before focusing on photography. He studied Photography at the Antiono Failde School of Art and Design (AESD) in Ourense (Spain) and obtained an International Master's in Conceptual and Artistic Photography at the School of Photography and Centre for Imaging (EFTI) in Madrid. His work has been shown in exhibitions in New York, Madrid, Rome, Daegu and Valladolid.
The exhibition presents the newest project, A leap into the shadow"'. This photography project, which was started in Italy and was continued in New York, Korea and Spain, seeks to step into and focus on two apparently different and contradictory realities: the end and the beginning of adult life. By comparing the elderly and adolescents, the project attempts to underline the anguish and uncertainty that these two groups face, in diverse parts of the world and in different socio-economic situations, with regards to their respective destinies.
mm*
Window
win cow
26.04- 27.05.2015
Matthew Bamber (Wielka Brytania) tworzy instalacje wykorzystujące rejestracje wideo widoków z okien ciekawych miejsc związanych z kulturą. Jako medium, film umożliwia widzowi długie i dokładne studiowanie wybranych okien i widoków, jakie ukazują. Przedstawienie tych widoków na filmie pozwala na głębszą kontemplację; dzięki statycznej pracy kamery i minimalnej akcji, uwaga widza skupia się na codzienności i obiektach w sposób nieczęsto spotykany w rzeczywistości.
Na wystawie Matthew Bamber pokazuje swoje nowe instalacje wideo wykonane podczas pobytu w Ustce wraz z pracami wykonanymi ostatnio w Wielkiej Brytanii. Matthew eksplorował pejzaż miejski Ustki i Słupska jako miejsc ludzkich (współ)działań, gdzie widoczne są ślady procesów historycznych i kulturalnych. Miejsca te to pawilon domu zdrojowego, obiekty Centrum Aktywności Twórczej oraz teren porzuconej fabryki. Pokazane będą także widoki z okien zabytkowego spichlerza, stanowiącego przestrzeń wystawienniczą słupskiego muzeum. Jako eksperymentalny kontrapunkt na wystawie zostaną wykorzystane efekty dźwiękowe i rzeźby.
Matthew Bamber (Great Britain) creates installations using video recordings of windows taken from inside places of cultural interest. As a medium, film enables the viewer a prolonged and controlled study of the windows he chooses and the views they show. Putting these windows on film allows a deeper contemplation; their static camerawork and minimal action focuses attention on everyday life and objects in ways that don't often happen in reality.
Matthew Bamber showcases new video installations made during his residency in the Centre of Artistic Creativity in Ustka alongside pieces created in the UK. Matthew has explored the urban landscape of Ustka and Słupsk as a site of human (inter)action; a place where historical and cultural processes have left their mark. For this exhibition, locations chosen in Utska include Kurhaus Pavillion, Centre of Artistic Creativity) and an abandoned factory. Elsewhere, the view from a window at an historic granary, owned and used as a temporary gallery space by the Słupsk Museum, is on display. This exhibition also introduces layers of sound and sculpture as experimental counterpoints.
firdcZARNA-PASIEK
Syreni śpiew
Mermafd s Surging
15.09.2014-
01.08.2015
Iza Moczarna-Pasiek jest artystką, fotografką i feministką. W swoich projektach walczy ze stereotypowym postrzeganiem kobiecości. Ukazuje obszary kobiecości ukryte za zasłoną tabu zbudowanego przez religię i kulturę polskiego społeczeństwa.
"Projekt SYRENI ŚPIEW zaprosił dojrzałe kobiety do refleksji nad swoją kobiecością. Do spojrzenia na różne jej aspekty i odnalezienia granicy pomiędzy tym, co własne/osobiste, a tym, co narzucone przez kulturę i społeczeństwo. Przez okres dziesięciu miesięcy spotykałyśmy się w gościnnej przestrzeni Bałtyckiej Galerii Sztuki Współczesnej, gdzie dyskutowałyśmy, śmiałyśmy się, płakałyśmy, spierałyśmy, czytałyśmy, śpiewałyśmy i oddychałyśmy świadomie, eksplorując różne obszary kobiecości i badając ich granice".
Iza Moczarna-Pasiek (Polska)
Iza Moczarna-Pasiek is an artist, photographer, and feminist. In her projects she opposes the stereotypical ways of perceiving the femininity. She indicates the areas of femininity which are hidden behind the cover of taboos built by religion and culture of the Polish society.
"In the Mermaid's Singing project I have invited mature women to reflect on their femininity, to look at its various aspects and to find the limit between what's their own/personal and what's imposed by culture and society. For ten months we have met at the Baltic Gallery of Contemporary Art, where we were discussing, laughing, crying, arguing, reading, singing and breathing consciously, exploring various areas of femininity and investigating their limits".
Iza Moczarna-Pasiek (Poland)
i;ilKS?§Ś
W6ARI
The^?n«
07.08
- 06.09.2015
Yukari Uto (ur. w 1986r.) jest artystką tworzącą dzieła multimedialne, w których łączy dźwięk, wideo i ruch ciała, szczególnie wykorzystując perspektywę muzyczną.
Yukari Uto (Japonia) uważa, że przekaz wizualny ma podobną budowę jak muzyka. Stara się wydobyć te wspólne elementy strukturalne i zaprezentować to co widzialne w ten sam sposób co dźwięki. Wtedy, oglądając dzieło wizualne, można mieć podobne wrażenia i odczucia, jak podczas słuchania muzyki, jakby słuchając oczami. Tak jak dobry muzyk potrafi, czytając partyturę, wyobrażać sobie muzykę zapisaną w nutach, tak artystkę interesują spontaniczne i nieuniknione reakcje bezpośrednio powstające w umyśle i wywołujące odczucia sugerowane przez widziany obraz, jakby wywoływały je rezonujące dźwięki.
„Miasto w bieli" to instalacja wideo inspirowana Ustką. Yukari Uto czuje dźwięki, kiedy czegoś dotyka. Gdy powoli sunie palcem po krawędzi, słyszymy długi dźwięk. Gdy tupnie, słyszymy dźwięk akcentowany. Ustka jest biała i wydaje wspaniałe dźwięki.
Yukari Uto (born inl986) is an artist who makes mixed media artworks in which sound, video and body movement are combined, especially from the perspective of music. Yukari Uto (Japan) believes that visual information has some implicit structures in common with music. She extracts and puts them together to express visible things as sounds. When you see them you can get the same feeling as you listen to music. Although you can $ay you feel sound through eyes when you imagine music from a score, her interest is in spontaneous and unavoidable feeling like visible things resonating directly in the mind. „The City in White" is a video installation inspired by Ustka. Yukari feels sounds when she touches something. When she runs a finger along an edge it comes out a long sound. When she claps ground it comes out an accented sound. Ustka is white and it comes out brilliant sounds.
•iiSftł^ETZ
Laqodna inwazja
Gentleinfestation
21.07- 21.09.2015
Nicole Banowetz (Stany Zjednoczone) jest rzeźbiarką tworzącą szyte, nadmuchiwane rzeźby i inne delikatne formy dopełniające instalację. Jej prace skupiają się na wrażliwości i walce. Artystka zabezpiecza prace nakładając ochronne warstwy ozdobne, które z czasem się rozpadają. Jej formy swobodnie przechodzą od wzrostu do rozpadu, zacierając różnice pomiędzy zdobieniem i zniszczeniem. W swojej instalacji dla Centrum Aktywności Twórczej w Ustce Nicole Banowetz prezentuje formy oparte na mikroskopowym obrazie jednokomórkowych stworzeń morskich, promienie (radiolaria). Powiększone w dużej skali, jako nadmuchiwane rzeźby, organizmy te wydają się surrealistyczne i prawie obce, a nawet przerażające. Są żywe i pulsujące w powietrzu. W wernisażowy wieczór wydają się mocne, tylko nieznacznie ukazując swoje słabe strony. Niektóre duże solidne formy są uzupełnione delikatnymi formami z porcelany. Te kruche formy, piękne i lekko obrzydliwe zarazem, żyją i stopniowo rozpadają się wraz z życiem nadmuchiwanych formy w kolejnych dniach po otwarciu wystawy.
Nicole Banowetz (USA) is a sculptor who makes sewn inflatable sculptures and delicate assembled forms. Her artwork addresses vulnerability and struggle. She empowers objects through embellishment, building up protective layers, which with time become destructive. Her forms move freely between growth and decay blurring the distinction between decoration and disease.
In her installation for the Center for Creative Activities in Ustka Nicole Banowetz presents forms based on microscopic single celled sea creatures, radiolaria. In a large inflated scale these animals feel surreal, almost alien, and even frightening. They are alive, and pulsing with air. On the night of the opening they feel strong, showing only hints of their weakness. Slowly the large robust forms are infested with delicate porcelain pieces. These fragile, beautiful and slightly disgusting forms inhabit and weaken the forms in the days following the opening.
88
MM*™ ,
Ścieżka zapisu
Recording TracK
22.09 - 19.10.2015
Kamila Wolszczak (Polska) jest absolwentką Malarstwa Instytutu Sztuk Plastycznych Uniwersytetu Marii Curie-Sktodowskiej w Lublinie oraz Mediacji Sztuki na Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu.
Jako artystka wyraża się w takich mediach, jak performans, instalacja i rysunek. Od 2012 roku zajmuje się organizowaniem niezależnych wystaw pozainstytucjonalnych.
Jej praca to instalacja w procesie. Idea odwołuje się do form zapisu i digitalizacji współczesnymi sposobami. Jednak materiał sczytany to elementy podłoża i mikro drobin unoszących się w powietrzu. Jest swoistym hołdem do natury oraz ukłonem w stronę klasyki Panoramicznego happeningu morskiego w Łazach. Maszyną zapisu, mechanizmem staje się autor zapisu, który przodem zwrócony jest do fal, a tyłem do widowni (pejzaż, turyści, zastane sytuacje). Jest to również analogia do Edwarda Krasińskiego zarówno w wykorzystaniu linii, taśmy jak i przybranej pozycji zapisu. Efekt końcowy to dokumentacja w formie zapisanych i przewiniętych rolek, stelaż mechanizmu oraz projekcje video.
Kamila Wolszczak (Poland) is a graduate of painting from the plastic arts institute of the Maria Curie-Skłodowska University in Lublin and from the faculty of art mediation at the Academy of Fine Arts in Wroclaw. As an artist she expresses herself in such media as performance, installation and drawing. Since 2012 she has dealt with organising the independent out-of-institutional exhibitions.
This work is an installation-in-the-process. Its idea refers to the forms of recording and digitalisation with contemporary technologies. The recorded material will include the elements of the ground and micro specks hovering in the air. It is a specific tribute to nature and to the classical work Panoramic Sea Happening by Tadeusz Kantor. The author will become a recording machine, directed towards the waves and with her back to the possible audience (if the audience appears, in the shape of tourists or encountered situations). This is also an analogy to Edward Krasiński, both in using lines and the accepted recording position. The final effect will include the documentation in the shape of recorded reels and the video relation from the trek. The project doesn't assume rigid results; the weather conditions and encountered situations will affect the final form of the work.
mmmmm*
wystawą zbiorowa artystów z Eaiptu
the collective exhibition of the artists from Egypt
15.01 - 14.02.2016
Talal Biggie Ahmed Abd Elhalim Omar Abdelaziz Senada Esraa Ismail Elefky Hady Boraey Kamila Bassioni Marwa Gad Naglaa Saad Eldin Rania Fouad Rokaya Abdel Rahim Tarek Kamal Ahmed Helmy
Kurator projektu: Ahmed Helmy
Celem projektu było zbadanie, jak granice geograficzne i polityczne wpływają na pojęcia dotyczące naszej egzystencji, jakie wartości definiują tożsamość, jak negocjować te wartości w stanie konfliktu oraz eksplorować wyobrażeniowe możliwości migrujących granic, strefy pośredniej (płynnej przestrzeni istniejącej pomiędzy), gdzie wpływy mieszają się, a różnorodne tradycje kulturowe współistnieją, co zdaje się usuwać ich odmienność. Czy jesteśmy gotowi na zmianę? Na to pytanie stara się odpowiedzieć 12-częściowa eksperymentalna praca grupowa pod tytułem „Migrujące granice".
Curator of the project: Ahmed Helmy
The purpose of the project was to discover the concept of borders that change and expand according to human mobility, examine how geographic and political boundaries affect the concept of our existence, how values define identities, how difficult it is to negotiate values when in conflict and explore the imaginative possibilities of shifting borders, the middle zone (the unstable space that exists in between) where influences merge and different cultural traditions co-exist in ways that seem to cancel their disparity. Are we ready for a change? That is the question we would like to answer with 12 experimental group of work entitled Shifting Borders.
f»,E
Makieta
Maquette
04.05 -02.08.2016
Natalie Rosin (Australia) jest architektem i artystką ceramiki z Sydney. Kształciła się w zakresie architektury i rzeźby zarówno na terenie Australii, jak i w USA. W swej praktyce artystycznej Natalie działa na przecięciu tych dyscyplin, tworząc architektoniczne rzeźby ceramiczne.
„Makieta" to instalacja budowana na zasadzie szkicowania gliną, myślenia ręką i wykorzystania ceramiki jako narzędzia projektowania i myśli architektonicznej. Podczas swojej rezydencji w Centrum Aktywności Twórczej Natalie Rosin zajęła się eksplorowaniem lokalnej architektury w Ustce i w sąsiednim Słupsku, w efekcie czego zaprezentowała wystawę, na której pokazane zostały makiety rzeźb ceramicznych, budowanych pod wpływem obserwacji i przetworzenia miejscowych form architektonicznych. W swojej eksploracji artystka dążyła do wypracowania nowego rozumienia architektury, poprzez próby wydobycia na jaw zwykle niewidocznych form architektonicznych i odkrywania nierozpoznanych koncepcji przestrzennych.
Natalie Rosin (Australia) is an architect and an artist of ceramics from Sydney, Australia. She is trained in architecture and sculpture, both in Australia and in the USA. In her artistic practice, Natalie operates at the intersection of these disciplines, creating architectural ceramic sculptures.
Maquette is an installation built on the principle of drafting in clay, thinking with hand and using ceramics as a tool for design and architectural thought. During her residence at the Centre for Creative Activities Natalie Rosin has been exploring local architecture in Ustka and in neighbouring Słupsk, in result of which she presented an exhibition, where the maquettes of ceramic sculptures were shown,
constructed under the influence of observation and processing of local architectural forms. In her exploration the artist sought to develop a new understanding of architecture, by trying to bring some usually invisible architectural forms to light and explore some unrecognized spatial concepts.
__BJ
mG
01.08 -
30.09.2016
Zhang Xing (Chiny) zajmuje się fotografią oraz sztuką nowych mediów. Podczas pobytu w Centrum Aktywności Twórczej artystka postanowiła skupić się na kurzu jako przedmiocie. Cząstki pyłu, chociaż obecne wszędzie wokół nas, stanowią materiał, który w dużym stopniu pozostaje niezauważany. Instynktownie usuwamy go z pola widzenia i z naszego otoczenia. Tworząc obrazy kurzu, Zhang Xing stara się odrzucić negatywne skojarzenia z nim związane (na przykład „brudu") bądź metafory („pokryte kurzem czasu") i zbadać nieokreślone własności kurzu. Używa w tym celu nowoczesnego urządzenia o nazwie „Scan Cube". Poprzez zastosowanie nowych technologii artystka nawiązuje do tematów społeczeństwa konsumpcyjnego.
Zhang Xing (China) cultivates photography and new media art. During her stay at the Centre for Creative Activities in Ustka, the artist realized her project Let the Dust Settle. In this project, she decided to focus on dust as the subject matter. Dust particles, although present all around us, are material that largely goes unnoticed. Our instinct is to remove it from sight and from our environment. By creating images of dust, she aims to discard the negative connotations such as 'dirty' or that 'the time has passed' and examine the indefinite qualities of dust. She will use a 21st century machine, called Scan Cube. This contemporary process draws on the themes of consumer society.
T
MŁAW
01.09. 2016 - 01.09.2017
Mirosław Bałka urodził się w 1958 r. w Warszawie. Rzeźbiarz. Zajmuje się również rysunkiem i filmem eksperymentalnym. W 1985 ukończył Akademię Sztuk Pięknych, gdzie od roku 2011 prowadzi Pracownię Działań Przestrzennych na Wydziale Sztuki Mediów. Otrzymał Stypendium Mięsa van der Rohe w Krefeld. Członek Akademie Der Kunste w Berlinie. Brał udział w ważnych wystawach międzynarodowych m.in.: Documenta w Kassel (1992), Biennale w Wenecji (1990,1993, 2003, 2005, 2013),The Carnegie International w Pittsburgh (1995), Biennale w Sao Paulo (1998), Biennale w Sydney (1992, 2006),
Biennale w Santa Fe (2006). W 2009 zrealizował projekt "How It Is" w Turbine Hall, Tate Modern w Londynie. Jest autorem pomnika ofiar katastrofy promu "Estonia" w Sztockholmie (1998). Jego prace znajdują się w ważniejszych kolekcjach muzealnych na świecie m.in.: Tate Modern /Londyn, Van Abbemuseum / Eindhoven, MOCA / Los Angeles, SFOMA / San Francisco, MOMA / Nowy Jork, Hirshhhorn Museum / Waszyngton DC, Art Institute / Chicago, The Carnegie Museum of Art / Pittsburgh, Museu Serralves / Porto, Moderna Museet / Sztockholm, Kiasma / Helsinki, Kroller Muller / Otterlo, The National Museum of Art / Ateny, The National Museum of Art / Osaka, The Israel Museum / Jeruzalem. W Polsce m.in.: Muzeum Sztuki / Łódź, CSW / Warszawa, Zachęta / Warszawa, Muzeum Sztuki Nowoczesnej / Warszawa, Muzeum Narodowe / Wrocław, MOCAK / Kraków.
Mirosław Bałka was born in 1958 in Warsaw, Poland. Sculptor also active on the field of experimental video and drawing. In 1985 he graduated from the Academy of Fine Arts in Warsaw, where he runs Studio of Spatial Activities at Department of Media since 2011. Received the Mies van der Rohe Stipend in Krefeld. The member of Akademie Der Kunste, Berlin. His works were exhibited at numerous international shows such as: Documenta, Kassel (1992), Venice Biennale (1990,1993, 2003, 2005, 2013), The Carnegie International, Pittsburgh (1995), Sao Paulo Biennale (1998), Liverpool Biennial (1999), Sydney Biennale (1992, 2006), Santa Fe Biennial (2006). In 2009 he presented special project "How It Is" at Unilever Series, Turbine Hall, Tate Modern, London. Author of the memorial to the victims of the Estonia Ferry disaster in Stockholm (1997). His works are owned by museums worldwide including: Tate Modern / London, Van Abbemuseum / Eindhoven, MOCA / Los Angeles, SFOMA / San Francisco, MOMA / New York, Hirshhorn Museum / Washington DC, Art Institute / Chicago, The Carnegie Museum of Art / Pittsburgh, Museu Serralves / Porto, Moderna Museet / Stockholm, Kiasma / Helsinki, Kroller Muller / Otterlo, The National Museum of Art / Athens, The National Museum of Art / Osaka, The Israel Museum / Jerusalem. In Poland: Museum of Art / Lodz, Centre of Contemporary Art/Warsaw, Zachęta National Gallery of Art / Warsaw, Museum of Modern Art / Warsaw, The National Museum / Wroclaw, MOCAK / Cracow.















DZIAŁANIA W PRZESTRZENI PUBLICZNEJ ZTUKA POŁECZNIE ZAANGAŻOWANA
ACTIONS IN PUBLIC SPACE SOCIALLY ENGAGED ART PRESENTATIONS
«A
m
30.05.2014
Performans
Aurora Lubos - od 1997 związana z trójmiejską sceną tańca, współpracowała między innymi z Gdańskim Teatrem Tańca, Nadbałtyckim Centrum Kultury w Gdańsku, Bałtyckim Uniwersytetem Tańca, Teatrem Dada von Bzdiilów, Klubem Winda, Klubem ŻAK w Gdańsku, Specjalistycznym Ośrodkiem Wsparcia w Rusocinie. Od 2000 roku aktorka angielskiego teatru Vincent Dance Theatre. Autorka kilku autorskich realizacji- spektakli solowych („Zanzibar", „Niedokończone", „Nóż, Koń i Schody", „AKTY"), instalacji („Still Alive", „Cykl Pokarmowy"), performansów („AKT1", „4 Kąty", „Akt na dwie-Ostatki") i krótkich animacji (cykl „Winter 2010").
„Performans AKTY powstał w oparciu o prawdziwe historie osób dotkniętych przemocą w rodzinie, jest moją odpowiedzią na przeczytane listy, rozmowy z ludźmi, którzy zaznali przemocy, inspirowany warsztatami artystycznymi przeprowadzonymi w ośrodkach pomagających osobom doświadczającym przemocy, czyli najczęściej kobietom i dzieciom".
Aurora Lubos
Performance
Aurora Lubos has been active on Tri-City (Gdańsk, Sopot and Gdynia) dance scene since 1997, collaborating among other places with the Dance Theatre of Gdańsk, the Baltic Sea Cultural Centre in Gdańsk, the Baltic University of Dance, Dada von Bzdulów theatre, club Winda, club Żak in Gdańsk, and the Specialized Support Centre in Rusocin. Since 2000 she has been an actress at the Vincent Dance Theatre,
UK. She is the author of several copyright solo performances (Zanzibar, Unfinished, Knife, Horse and Stairs, Acts), installations (Still Alive, The Digestive Cycle), other performances (Actl, 4 Corners, Act for Two - The Shrovetide) and short animations (series Winter 2010).
"My performance Acts is based on the true stories of people affected by domestic violence; it is my answer to letters I read, conversations with people who experienced violence, and inspired by artistic workshops conducted in centres organized to help those experiencing violence, which usually are women and children".
Aurora Lubos
__Hi
Po s&oMtzoue ~y
RZUCĄMA/Ą,
o Ścianą KOCHANI Cią
Mr
Zanurzenie
immersion
01.02.2015
Kurator projektu: Przemysław Chodań
Perforrnans wraz ze słupskimi morsami z grupy Termofor
Jaśmina Wójcik - artystka, pedagożka ASP w Warszawie. Uzyskała dyplom z wyróżnieniem w Pracowni Multimedialnej Kreacji Artystycznej prof. Stanisława Wieczorka i aneks w Pracowni Przestrzeni Audiowizualnej prof. Grzegorza Kowalskiego w 2008 r. Asystentka w Pracowni Multimedialnej Kreacji Artystycznej prof. Wiktora Jędrzejca na warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych od 2008 r. Doktor na macierzystej uczelni (uzyskała tytuł doktora sztuki na Wydziale Grafiki Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie w dziedzinie sztuk plastycznych, na podstawie przedstawionej rozprawy doktorskiej i projektu multimedialnego pt. „Mastektomia"). Stypendystka Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego w roku 2007 i 2013. Laureatka nagród i wyróżnień za działalność artystyczną, m.in. I nagrody w Konkursie Samsung Art Master w 2007 roku oraz Grand Prix konkursu Kino Polska i Onetu „Film w minutę" w 2007.
Curator of the project: Przemysław Chodań
Performance, together with the winter swimming club Termofor from Słupsk
Jaśmina Wójcik is an artist and teacher at the Academy of Fine Arts in Warsaw. She graduated with distinction from Prof. Stanisław Wieczorek multimedia artistic creation studio and additionally from Prof. Grzegorz Kowalski audiovisual space laboratory in 2008. Since then she has been an assistant professor at Prof. Wiktor Jędrzejec multimedia artistic creation laboratory at Warsaw Academy of Fine Arts. She was awarded the title of Doctor of Arts at the faculty of printmaking of the Academy of Fine Arts in Warsaw in the field of fine arts, on presentation of a dissertation and a multimedia project entitled Mastectomy. She was a grant holder of the Ministry of Culture and National Heritage in 2007 and 2013, as well as a winner of awards for artistic activities, including the first prize in the Samsung Art Master contest in 2007 and the grand prix of A Film in a Minute contest organized by Kino Polska and Onet in 2007.
2bmm,y
Lądowanie. Jaka to wiadomość...?
landing. What s the Message...?
14.03.2015
Kurator projektu: Przemysław Chodań
Suavas Lewy (ur. w 1970) - łodzianin wzrost 198 cm. Interfejs dźwiękowy w kształcie humanoida.
Zorientowany na nowe doznania słuchowe, ustawicznie złakniony dźwięków. Tworzy muzykę wykorzystując wszelkie dostępne instrumenty oraz przedmioty. Używa też gęby. Realizuje muzyczne projekty edukacyjne dla dzieci i młodzieży (Ogródek Dźwiękowy, Łódź Utkana Dźwiękami i Tkalnia Dźwięków) oraz akcje mające charakter audioingerencji w przestrzeń miejską. Tworzy spontaniczne projekty muzyczne, solowo i w kooperacji z muzykami, tancerzami, aktorami i performerami.
Ola Kozioł (ur. w 1983). Artystka multimedialna, w swoich działaniach performance bazuje na głosie,
wykorzystując tzw. śpiew biały. Absolwentka Akademii Sztuk Pięknych w Łodzi, gdzie aktualnie pracuje.
Brała udział m.in. w 8. Międzynarodowym Festiwalu Sztuki Wizualnej inSPIRACJE/apocalypse w Szczecinie (2012, Grand Prix), w festiwalu Arterie w Częstochowie (2013), w Biennale Sztuki Młodych „Rybie Oko" w Słupsku (2011, 2013), w A Tourist in Other People's Reality w Londynie (2013), w Nocne aktywności, BWA Katowice (2014), na Międzynarodowym Festiwalu Sztuki Efemerycznej Konteksty w Sokołowsku (2014) oraz w Granice globalizacji w ramach Mediations Biennale w Poznaniu (2014).
Współtwórczyni grupy śpiewu tradycyjnego Miejskie Darcie Pierza, członkini chóru przy Teatrze Chorea.
Curator of the project: Przemysław Chodań
Suavas Lewy was born in 1970; he lives in Łódź and is 198 cm tall. He claims to be an audio interface in the shape of a humanoid, oriented towards new listening experiences and constantly hungry for sounds.
He creates music using all available instruments and objects, including his mouth. He performs musical educational projects for children and youth (called Sonic Garden, Sounds Woven Boat and Weaving Sounds), and actions having a character of audio interference in urban spaces. He creates spontaneous music projects, solo and in collaboration with musicians, dancers, actors and performers.
Ola Kozioł was born in 1983. She makes multimedia performances based on voice, often using overtone singing. She graduat.ed from the Academy of Fine Arts in Łódź, where she currently works. She took part in the 8th International Festival of Visual Art inSPIRACJE / apocalypse in Szczecin (2012, Grand Prix), the festival Arteries in Częstochowa (2013), the Biennale of Young Art "Fish Eye" in Słupsk (2011, 2013),
in A Tourist in Other People's Reality in London (2013), in Night Activities, BWA Katowice (2014),
at the International Festival of Ephemeral Art "Contexts" in Sokołowsko (2014) and in The Limits of Globalization in the context of Mediations Biennale in Poznań (2014). She is a co-founder of the traditional singing group Miejskie Darcie Pierza [Urban Feathers Tearing], and a member of the choir at the Chorea Theatre.
J
we
op
06 -08.05.2015
Kurator projektu: Przemysław Chodań
Zorka Woliny - artystka sztuk wizualnych, wykorzystująca w swoich działaniach dźwięk. W swoim dorobku ma filmy, cykl performasów choreograficznych oraz koncertów (we współpracy z Anną Szwajgier). Współpracuje z najważniejszymi polskimi instytucjami artystycznymi zajmującymi się sztuką współczesną. W 2007 roku reprezentowała Polskę na wystawie twórców europejskich w Brukseli.
W 2009 r. została nominowana do nagrody Fundacji Deutsche Banku dla najlepszego młodego artysty. Jej realizacje były prezentowane w Polsce i za granicą.
„Wszystkie moje projekty powstają przy współpracy z grupą ochotników podczas wielu dni prób, wszystkie komponowane są wobec specyficznej architektury i warunków akustycznych. Wydarzenia są jednorazowe i rozgrywane na żywo, bez udziału elektroniki, za to z użyciem specyficznych instrumentów. Najważniejszy w tych działaniach jest proces, a kompozycja pozostaje otwarta. W mojej praktyce artystycznej głównym założeniem jest współpraca z lokalnym środowiskiem i jego mieszkańcami. Uczestnicy - performerzy otrzymują do zagrania role odpowiadające ich charakterowi, potrzebie ekspresji i umiejętnościom. Są partie solowe i wspólne działania, jest również miejsce na improwizację, w ramach przyjętych założeń co do rodzaju akcji".
Curator of the project: Przemysław Chodań
Zorka Woliny is a visual artist, who uses sound in her actions. Her output includes movies, a cycle of choreographic performances and concerts (in collaboration with Anna Szwajgier). She cooperates with leading Polish art institutions dealing with contemporary art. In 2007 she represented Poland at the exhibition of European artists in Brussels. In 2009 she was nominated for the Deutsche Bank Foundation for the best young artist. Her projects have been presented in Poland and abroad.
"All my projects are made in collaboration with a group of volunteers during many days of rehearsals; all of them are composed to a specific architecture and acoustics. My events are one-off and played live, without electronics, but with the use of specific instruments. The most important of these activities is the very process, while the composition remains open. The main objective in my artistic practice is to work with the local environment and its inhabitants. The participants/performers get to play the roles corresponding to their character, the need of expression and their skills There are solo and joint parts; there is also a place for improvisation within the framework of assumptions about the type of action".
Zorka Woliny
Zorka Woliny
108
mika

, _ .aboratpry of Fermentation
14 - 16.05.2015
Kurator projektu: Przemysław Chodań
Agata Bielska - (1984) artystka wizualna, animatorka kultury, aktywistka kuchenna, inicjatorka działań społecznych, absolwentka ASP w Łodzi. Laureatka nagrody Prezydenta Wrocławia w 10. Konkursie Gepperta, we Wrocławiu w 2011 roku. Tworzy zarówno video-instalacje, jak i buzujące fermenty.
Zajmuje się także malarstwem, performance, sztuką w przestrzeni publicznej. Fascynuje ją kontemplowanie codzienności, proste działania i powtarzalność, która tworzy rytm życia. Uczestniczka ponad 20 wystaw indywidualnych i zbiorowych.
„Projekt miał na celu zbadanie możliwości wykorzystania probiotycznych kultur bakterii do tworzenia kultury żywej i zawierania więzi międzyludzkich. Czy bakterie mogą zbliżać ludzi do siebie? Czy bakterie mogą pomóc tworzyć kulturę która nas ożywia i angażuje? Czy działanie probiotyczne bakterii ogranicza się tylko do zdrowia jelit, czy też możemy wykorzystywać je do leczenia i ożywiania całych społeczności?"
Przemysław Chodań
Curator of the project: Przemysław Chodań
Agata Bielska (1984) is a visual artist, a graduate of the Academy of Fine Arts in Łódź, animator of culture, kitchen activist, and an initiator of social actions. Winner of the Mayor of Wrocław prize in the 10th Geppert Competition, Wroclaw 2011. She makes both video-installations, as well as fermentation enzymes. She also deals with painting, performance art, and art in public space. She is fascinated by the contemplation of everyday life, simple operations and repeatability, which creates the rhythm of life. She participated in over 20 solo and group exhibitions.
"The project aimed to investigate the possible use of probiotic bacterial cultures to create a culture of living and conclude human relationships. Can bacteria bring people together? Can bacteria help create a culture that engages and animates us? Is the effect of probiotic bacteria limited to gut health, or it can be used for the treatment and rehabilitation of entire communities?"
Przemysław Chodań
110
5lP£/MJPyBftowSKA
. . . Performance: sztuka życia codzienneco
art of evervaav Tfre
everyday
23.06.2015
Kurator projektu: Przemysław Chodań
Justyna Górowska (ur. 1988) dyplomantka Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie kierunku Intermedia. Zajmuje się performansem, wideo, rzeźbą i fotografią. Laureatka głównej nagrody VII edycji konkursu Samsung Art Master (2010). Jej prace były prezentowane w Centrum Sztuki Współczesnej w Zamku Ujazdowskim w Warszawie (2010), a także na międzynarodowych zdarzeniach m.in. Christmas Palm w berlińskim Freies Museum (2009), 700IS 2010 podczas International Video Art Festival na Islandii (2010) oraz IX Międzynarodowego Festiwalu Sztuki Akcji Interakcje (2009).
Adam Gruba (ur. 1988) zajmuje się performansem, wykorzystując też elementy wideo, obiektu oraz tekstu. Absolwent Pracowni Performance (Wydział Intermediów) na Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie oraz Studium Pedagogicznego na tejże uczelni. Stypendysta Ministerstwa Spraw Zagranicznych Indonezji Darmasiswa, uczestnik wielu wystaw i projektów indywidualnych.
Curator of the project: Przemysław Chodań
Justyna Górowska (born in 1988) is an inter-media graduate from the Academy of Fine Arts in Cracow. She cultivates performances, video art, sculpture and photography. She is a laureate of the main prize of the 7th edition of the Samsung Art Master (2010). Her works have been presented at the contemporary art centre Zamek Ujazdowski in Warsaw (2010), and at such international events as Christmas Palm at Freies Museum Berlin(2009), 700IS (2010), during the International Video Art Festival in Iceland (2010), and IX International Action Art Festival Interactions (2009).
Adam Gruba (born in 1988) cultivates a wide range of inter-media art, using in his works the elements of performance, video art, objects and texts. He is an inter-media graduate and from the pedagogical school of the Academy of Fine Arts in Cracow. A grant-holder of the Ministry of Foreign Affairs of Indonesia Darmasiswa, participant of many solo exhibitions and projects.
i III ii km
EJMska
Ćwiczenia z patrzenia w dal
Exerdses ofiooKi ng into tne Distance
13.07.2015
Performans
Kurator projektu: Przemysław Chodań
Ostanie działania Moniki Drożyńskiej można opisać jako bliskie krytyce instytucjonalnej i systemowej; dotyczą kondycji artystów i artystek jako grupy zawodowej zmagającej się z niedofinansowaniem kultury oraz problemami dystrybucji środków w obrębie publicznych instytucji. Wychodzi także poza świat sztuki pokazując, że społeczeństwo jest systemem naczyń połączonych zmagających się równocześnie z ekonomią oraz brakiem zdrowego rozsądku. (...) „Ćwiczenia z patrzenia w dal" to swojego rodzaju anty-działanie, czy zbiorowe„nie-działanie", do którego artystka zaprasza mieszkańców, plażowiczów, pracowników galerii, turystów. Patrzenie w dal, wypatrywanie sugerować ma oczekiwanie na zmianę, trwanie w niepewności jako niemal naturalny stan nie tylko artystów, ale także innych grup społecznych i zawodowych. „Ćwiczenia" wykonywane w sezonie letnim w nadmorskim kurorcie mówią również o niepokoju, nieumiejętności odpoczynku, nieustającej potrzebie działania, obawie przed brakiem pracy, niepewności prekariuszki.
Przemysław Chodań
Performance,
Curator: Przemysław Chodań
The last actions of Monika Drożyńska can be described as close to institutional and systemic criticism; they pertain to the condition of artists as a professional group which is struggling with under-funding of culture and the issues of distribution of resources within public institutions. She goes beyond the art world, showing that society is a system of communicating vessels, at the same time struggling with economy and the lack of common sense. (...) "Exercises of Looking into the Distance is a kind of anti-action or collective 'no-action' to which she invites locals, sunbathers, gallery employees and tourists. Looking into the distance is to suggest waiting for a change and remaining in uncertainty as an almost natural state of not only artists, but also other social or professional groups. These Exercises, carried out in summer in the seaside resort, speak also about anxiety, inability to rest, constant need for action, the fear of lack of work, and the uncertainty of the precarious".
Przemysław Chodań
Makowski
Notacje dokaęnęrpwe ?.archiv/yum . >■ łoazkiei Galeru wymiana
Author s sł\ow: archive fecoj of Wymiany Gallery in Łodz  
11.08.2015
W dwóch autorskich zestawach zebrane zostały historyczne zapisy wystąpień wielu akcjonistów i performerów. Zestaw pierwszy stanowią rejestracje dokonane przeze mnie artystów polskich a drugi zestaw jest zapisem dokamerowym moich osobistych akcji. Pierwsze gesty tego typu pojawiają się w ramach dokumentalnych notacji czynionych od początków lat siedemdziesiątych jeszcze w Warsztacie Formy Filmowej działającym przy łódzkiej Szkole Filmowej od 1970 roku. W latach następnych staje się ta czynność moja specjalnością. Do tej pory dokonałem ok.60 zapisów rożnych działań polskich, ale i wielu zagranicznych artystów. Przeważnie, są to moi przyjaciele akcjoniści i performerzy. Ten unikalny zbiór często udostępniany publicznie znajduje się obecnie w archiwum Galerii Wymiany. Przygotowałem dwa reprezentacyjne zestawy, które ujawnia dość wyraźnie specyfikę tego dokamerowego zbioru, bowiem realizując te zapisy kładłem zawsze nacisk na werystyczne oddanie prawdy, bez własnych kreacyjnych udoskonaleń. Ta świadoma obiektywizacja była zawsze istota mojej publicystycznej działalności jako kuratora, muzealnika i historyka sztuki. Producentem tych wielu performerskich zapisów jest Galeria Wymiany. Bohaterami zdarzeń są m.in. Ewa Partum, Ewa Zarzycka, Zbigniew Warpechowski, Leszek Knaflewski, Janusz Bałdyga, Paweł Kwaśniewski, Paweł Kwiek.
Józef Robakowski
Two author's sets present the collected historical records of many instances of actionists and performers. The first set consists of recordings made by me, presenting Polish artists, while the other set includes recordings of my personal actions. The first gestures of this kind appeared within the framework of documentary recordings being made since the early seventies at the film form workshop at Łódź Film School since 1970. This activity has become my specialty. So far, I made about 60 recordings of different activities of Polish artists, but also many foreign ones. They are mostly my friends actionists and performers. This unigue collection which is often made public belongs now to the archives of Wymiany Gallery. I prepared two representative sets, which reveals guite clearly the specificity of this collection, because realizing these records, I always put my emphasis on the faithful representation of the truth, without any creational improvements. This conscious objectification has always been the essence of my journalistic activity as a curator, museologist and art historian. The producer of these performer recordings is Wymiany Gallery. The protagonists of the events include Ewa Partum, Ewa Zarzycka, Zbigniew Warpechowski, Leszek Knaflewski, Janusz Bałdyga, Paweł Kwaśniewski, and Paweł Kwiek.
Józef Robakowski
MPAW
Zasalanie
Salting
18.09.2015
Performans
Kurator: Przemysław Chodań
W pracy Przemysława Branasa erotyzm to połączenie etan vital oraz popędu śmierci, zaś wysiłek fizyczny jest metodą zapomnienia o sobie, techniką zmiany stanu świadomości, w którym zanika podziała na podmiot, przedmiot oraz wykonywane działanie. Poprzez fizyczność, pot i zmęczenie oddziałujemy na umysł, uzyskujemy stan ducha opisywany przez mistyków oraz każdego, kto potrafi zatracić się w działaniu. Granice tożsamości ulegają rozmyciu, podobnie jak podział organiczne/nieograniczne, ożywione/nieożywione. Bryła soli może symbolizować zniesienia podziału zewnętrze/wewnętrzne.
Obecna w pocie, łzach oraz w nasieniu, jest produktem emocji wynikających nie tylko z wzniosłych uniesień lecz również cierpienia i przemocy, manipulacji.
Przemysław Chodań
Performance
Curator: Przemysław Chodań
In Przemysław Branas work, eroticism is a combination of elan vital and the death drive, while physical effort and exercise is a way of forgetting about yourself and a technique of changing the state of consciousness, thanks to which disappears the division into who's the subject, what the object is and what the performed operation is. With physical effort, sweat and fatigue affecting us, we obtain a state of mind described by mystics and anyone who can lose himself in the action. The boundaries of identity become blurred, the same happens with the division into organic/inorganic or animate/inanimate. A lump of salt can symbolize the abolition of the division of external/internal. Present in sweat, tears and semen, salt is the product of emotions that result not only from the lofty elation but also suffering, violence, and manipulation.
Przemysław Chodań

L
mj\mrsKA
Infiltron
Infufron
17.09.2015
Prezentacja
Projekt „Infiltron" powstaje od końca 1997 roku i polega na wyznaczonym przez jego autorów sposobie uczestnictwa w rytuałach różnych dziedzin życia społecznego. Proces powstawania dzieła przebiega na czterech poziomach: INFILTRACJA - to uczestnictwo artystów w rytuałach oraz w zrytualizowanych czynnościach danej kultury. Podstawową zasadą jest przestrzeganie obowiązujących reguł i przyjętych form w trakcie przebiegu tych wydarzeń, przy jednoczesnym wprowadzaniu własnych elementów modyfikujących (np. stroje). Infiltracja jest autonomicznym rodzajem działania artystycznego, spokrewnionym z akcjonizmem; INWIGILACJA - to zapis relacji między autorami w kontekście powstającego dzieła; FALSYFIKACJA - to permanentna kontestacja przebiegu działań; UPŁYNNIANIE -to metoda prezentacji projektu. Istotą „Infiltronu" próba przeniknięcia i współuczestnictwa w wybranych przejawach rytuałów, obrzędów i zwyczajów różnych, niekiedy niezwykle odmiennych, kultur.
Alicja Żebrowska i Jacek Lichoń
Presentation
The Infiltron began to appear in the end of 1997 and consists in the way its authors allotted how to participate in the rituals of various fields of social life. The process of creating the work is carried out at four levels: Infiltration - is the participation of artists in the rituals and ritualized activities of a given culture. The basic principle here is to follow the existing rules and forms adopted during the course of these events, while implementing their own elements modifying (e.g. clothes). The Infiltration is an autonomous kind of artistic activity that is related to actionism; Surveillance - is a record of the relationship between authors in the context of the emerging work; Falsification - a permanent contestation of the course of action; and Liquefaction - the method of presentation of the project. The essence of Infiltron is an attempt at penetrating and participating in selected aspects of rituals, rites and customs of different, sometimes extremely different cultures.
Alicja Żebrowska & Jacek Lichoń
mN3
SPAZI DOCILI
i. j.i r» Ustką^afasad
Ustka Bemnd the Facaa  
20.10 - 04.11.2015
Christian Costa Tommaso Capecchi Brychan Tudor
Warsztaty i prezentacje
W ramach projektu odbyły się warsztaty z mieszkańcami, prezentacje oraz publiczne dyskusje prowadzone przez zaproszonych artystów. Rdzeniem projektu jest odnajdywanie przez uczestników warsztatów miejsc typu krajobraz poindustrialny i „naprawianie" ich poprzez ingerencje artystyczne różnymi środkami. Poprzez działania autorzy zamierzali wykazać, że język sztuki współczesnej może być narzędziem do lepszego poznania i zrozumienia siebie, ale także miejsca, w którym na co dzień się przebywa. Pomysł powstał w oparciu o projekt „Spazi Docili", który realizowany jest od 2008 roku we Florencji. Usteckie działania były jego odzwierciedleniem i kontynuacją. Projekt został dofinansowany ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego w ramach programu Kultura Dostępna 2015.
Workshop and presentation
The project included workshops with residents, presentations and public discussions directed by the invited artists. The core of the project is in finding places and landscaped of post-industrial type by the participants of the workshop and 'repairing' them through artistic interventions by various means. Thanks to such activity the authois intended to show that the language of contemporary art can be a tool of better knowing and understanding each other, including our everyday places we are in. The idea is based on the project Spazi Docili which is being implemented since 2008 in Florence. The actions in Ustka have been its reflection and continuation. The project was supported by the Ministry of Culture and National Heritage within the framework of the programme Available Culture 2015.
Hs
Jest fajnie, ale trochę bęiimr się miłości / wojny
we are fine, out a little afraid of love / war
Styczeń / January 2016
Kuratorzy projektu: Edyta Wolska i Igor Sałata
Jest fajnie, ale trochę boimy się miłości / wojny", słowa trochę oczywiste, trochę banalne, trochę niewypowiadane w obawie o śmieszność, ocierające się o truizm, jednocześnie dotykają wyczuwanego podskórnego lęku o przyszłość, lęku obecnego w codzienności, w odniesieniu do relacji osobistych i sytuacji życia w kraju, w czasie wzrostu zagrożenia militarnego po wschodniej stronie granicy. W kontekście polsko-romantycznego mitu poświęcenia, odwagi, waleczności w ważnej sprawie, jak również sytuacji wojny na Ukrainie, czy sprawy uchodźców. Kojarzy się też nieco ironicznie z hasłem „make love not war" (róbmy miłość nie wojnę). Miłości! Wojny! słowa wyświetlają się naprzemiennie, są wobec siebie alternatywą, uzupełniają pełną sentencję, prowokują do opowiedzenia się po którejś ze stron, pojawia się tu kontekst historyczny i militarny Ustki jako ważnego punktu na mapie obronnej, z drugiej strony zaś letnia miłość i wakacyjny relaks, zapomnienie o sprawach bieżących, skupiania uwagi na przyjemnościach. Całe mówienie o miłości jest ryzykowne i ocierać się może o banał, niemniej jest to banał wynikający głęboko z ludzkiej natury. Emocjonalność i potrzeby miłości nawet jeśli banalizują się w słowach są zasadniczą częścią konstrukcji człowieka, zatem projekt - mówienie „o miłości" dotyczy wszystkich i wykracza poza społeczności zainteresowanych sztuką.
Paweł Korbus
Curators of the project: Edyta Wolska i Igor Sałata
These words are to a certain extent obvious, a little bit trivial, partly unsaid for fear of ridiculousness,
close to truism, while touching sensed subcutaneous anxiety about the future, the fear that is present in everyday life in relation to personal relationships and life situation in our country during the growth of military threat on the eastern side of the border, in the context of Polish-romantic myth of sacrifice, courage, and bravery in an important case, as well as of war situation in Ukraine, or the refugee issues. These words associate also somewhat ironically with the slogan "make love not war". The words Love! War! are displayed alternately, being alternative one to another, complementing the full sentence, provoking to stand by one of the parties. There appears the historical and military context of Ustka as an important point on the strategic map, at the same time being the place of summer love and holiday relaxation, forgetting current affairs and focusing attention on the pleasures. The whole discourse about love is risky and bordering on cliche, but it's a cliche resulting from deep human nature. Emotionality and need for love, even if trivialized with words are an essential part of human design, so the project, speaking about "love", concerns everybody and extends beyond the community interested in art.
Paweł Korbus
JEST FAJNIE, ALE TROCHĘ BOIMY sią MIŁO&CT
JEST FAJNIE, ALE TROCHĘ BOIMY SIĘ	O
Marzec - Wrzesień / March - September 2016
Kuratorzy projektu: Edyta Wolska i Igor Sałata
Jarosław Perszko - ur. w 1962 roku. Studia na Wydziale Sztuk Pięknych Uniwersytetu Mikołaja Kopernika w Toruniu. Dyplom z wyróżnieniem w 1989 roku w Pracowni Rzeźby prof. Hanny Brzuszkiewicz. W latach 1989-90 asystent prof. Adolfa Ryszki w Zakładzie Rzeźby UMK w Toruniu. Od 1997 roku pracownik naukowo-dydaktyczny Wydziału Architektury Politechniki Białostockiej. Obecnie kierownik Katedry Architektury Wnętrz tejże uczelni.
"Projekt Oddech umożliwia aktywny w nim udział wszystkich widzów. Artysta przygotował rodzaj dużego szklanego naczynia, w którym zbierane są oddechy uczestników projektu. Wystarczy napełnić swoim oddechem specjalną foliową torebkę, podpisać i włożyć do szklanego pojemnika. Na torebce z własnym oddechem można umieścić także swoją krótką wypowiedź zawierającą refleksję, ekspresję lub marzenie".
Grzegorz Borkowski
Curators of the project: Edyta Wolska & Igor Sałata
Jarosław Perszko was born in 1962. He studied at the Faculty of Fine Arts at the Nicolaus Copernicus University in Torun. He graduated with honours from Prof. Hanna Brzuszkiewicz sculpture studio in 1989. In 1989-90 he was an assistant to Prof. Adolf Ryszka in the department of sculpture of the Nicolaus Copernicus University in Torun. Since 1997 he has been a researcher and teacher at the faculty of architecture of the Technical University of Białystok. Currently he is the head of the department of interior design at the same university.
"Jarosław Perszko project Breath allows an active participation of the viewer. The artist has prepared a kind of large glass container that collects breaths of project participants. Just fill a special signed plastic bag with your breath and put it into the glass container. On the bag with your own breath, you can also put your brief statement containing a reflection, an expression or a dream".
Grzegorz Borkowski
jj
14.05.2016
Performans
Kuratorzy projektu: Edyta Wolska i Igor Sałata
Spotkanie performance / działanie na żywo w ramach projektu pod hasłami „praktyki peryferyjne", „jesteśmy tym, czemu poświęcamy czas". Przedsięwzięcie realizowane w drodze, poruszając się w obszarze pejzażu miejskiego i naturalnego; opowiadające o poetyce zwykłych, codziennych sytuacji, dziejących się w cieniu „ważnych" wydarzeń politycznych i kulturowych; o człowieku i jego otoczeniu;
0	beztrosce i spotkaniu miejsc: leżącego na pograniczu Zakarpacia z północnym krańcem nad Morzem Bałtyckim.
Grzegorz Bożek (ur. 1988). W latach 2009 - 2015 studiował na Wydziale Malarstwa, Uniwersytet Artystyczny Poznań. Praktykuje z poezją i malarstwem. W swoich wystąpieniach opowiada za pomocą wizualnych i werbalnych zdarzeń o relacjach z ludźmi, miejscami i naturą. Równolegle od 2010 roku prowadzi dokumentalne notatki filmowe, które w 2011 roku prezentował razem z fotografiami Nanae Tsuchima z Japonii w wystawie „Ja w cetrum pozna(wa)nia".
Petro Riaska (ur. 1975). W latach 2004-2009 studiował w Użgorodzie w Zakarpackim Instytucie Sztuki na kierunku Malarstwo (Nauczyciel Wiaczesław Prikhodko). Pracuje z malarstwem, performance
1	obiektem. Działacz i autor projektów kuratorskich. W 2015 roku stypendysta „Gaudę Polonia" (kurator Janusz Bałdyga, Poznań, Polska).
performance,
Curators of the project: Edyta Wolska i Igor Sałata
The project consists in organizing a meeting/performance/live action under the slogans of'peripheral practices' and 'we are such as to which we devote our time'. The project is implemented on the move in the area of urban landscape and natural heritage; telling about the poetics of ordinary everyday situations, and taking place in the shadow of'important' political and cultural events; speaking about man and his environment; about carelessness and meeting places: lying on the border of Transcarpathia with the northern edge of Poland at the Baltic Sea.
Grzegorz Bożek was born in 1988. In the years 2009-2015 he studied at the faculty of painting of the Artistic University in Poznań. He practices poetry and painting. In his speeches, he talks about his relationships with people, places and nature, using visual and verbal incidents. In parallel, since 2010 he has made documentary film notes which in 2011 he presented publicly together with photographs by Nanae Tsuchima from Japan at the exhibition Me in the Centre of Cognition.
Petro Riaska was born in 1975. In 2004-2009 he studied painting at the Transcarpathian regional Institute of Arts in Uzhgorod, Ukraine (teacher Vyacheslav Prikhodko). He cultivates painting, performance and object art, being simultaneously a cultural activist and author of curatorial projects. In 2015, he was a grant holder of the Gaudę Polonia (curator Janusz Bałdyga, Poznań, Poland).

B»A
w^iea5fMfeEIBPflSH16SS
Czerwiec / June 2016
Kuratorzy projektu: Edyta Wolska i Igor Sałata
Michał Bałdyga (ur. w 1980 r. w Warszawie) - artysta, performer, twórca instalacji. Ukończył studia na kierunku Edukacji Artystycznej w 2006 r. oraz Projektowania Graficznego w 2010 r. na Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu. W swoich pracach balansuje na granicy pomiędzy realnym a symbolicznym działaniem. Bada stosunek własnej osoby do zdarzeń wokół oraz do samego siebie, do problemów barier fizycznych, psychicznych i mentalnych życia. Brał udział w szeregu wystaw indywidualnych i zbiorowych. Inicjator kampanii na rzecz pozytywnego postrzegania niepełnosprawności „Wszyscy jesteśmy superbohaterami".
Curators of the project: Edyta Wolska & Igor Sałata
Michał Bałdyga was born in 1980 in Warsaw. He is an artist, performer, and creator of installations. He graduated in art education in 2006 and graphic design in 2010 from the Academy of Fine Arts in Poznań. In his work, he balances on the border between the real and symbolic acting, exploring the relationship of his own person to events around and to himself, to the problems of physical, psychological and mental life. He has participated in several solo and group exhibitions. He is the originator of the campaign for the positive perception of disability We All Are Superheroes.
raiw^upsk,
czyli film mieszkańców o dwumiescie
or the film about the.twin.cities by their inhabitants  
Wrzesień 2015 — Wrzesień 2016 September 2015 — September 2016
Ideą projektu było stworzenie portretu Słupska i Ustki, dwumiasta widzianego oczami wyobraźni samych mieszkańców. W ramach jego realizacji odbył się cykl spotkań i zajęć prowadzonych ze społecznością lokalną, podczas których prowadzono warsztaty operatorskie, montażowe, reżyserskie, charakteryzatorskie, scenograficzne oraz aktorskie. W ich trakcie powstały sceny filmowe, które w końcowym efekcie składają się na średniometrażowy film fabularny. Praca nad filmem miała na celu zawiązanie i pogłębianie relacji pomiędzy mieszkańcami dwóch organizmów miejskich. Wspólne tworzenie filmu jest także budowaniem pozytywnych relacji międzyludzkich oraz odnajdywaniem tożsamości obu miast.
Pomysłodawczynią projektu jest Edyta Wolska.
Koordynatorzy: Małgorzata Różańska, Piotr Igor Sałata.
Zaproszeni artyści: Caryl Swift, Aleksandra Chciuk, Małgorzata Zelek, Maria Nadzieja Krętkowska, Krzysztof Tomasik, Adam'Mroczek.
Projekt został dofinansowany przez program LECHSTARTER.
The idea behind the project was to create a portrait of the twin cities of Słupsk and Ustka through the eyes of imagination of the residents themselves. The project was prepared with a series of meetings and classes with local communities, where the inhabitants could learn about everything needed, including operator, installation, directing, make up, stage design and acting workshops. During these workshops some scenes were shot that ultimately made up a medium-length feature film. Working on the film was aimed at the formation and deepening of relations between the residents of these two urban organisms. Joint creation of the film was also building positive relationships and the discovery f identity in both cities. The originator of the project was Edyta Wolska.
Instructors/coordinators: Małgorzata Różańska, Piotr Igor Sałata.
Invited artists: Caryl Swift, Aleksandra Chciuk, Małgorzata Zelek, Maria Nadzieja Krętkowska,
Krzysztof Tomasik, and Adam Mroczek.
The project was supported by the program LECHSTARTER.
B ^






Pracowimfilmu
Tum btudio
W Pracowni Filmu prowadzone są zajęcia, których głównym zamierzeniem jest przybliżenie medium filmowego, a zwłaszcza wykształcenie umiejętności kreowania i opowiadania za pośrednictwem ruchomego obrazu. Spotkania z uczestnikami warsztatów odbywają się zarówno w formie teoretycznej jak i praktycznej. Tematycznie obejmują one problematykę podstawowych pojęć filmowych, a w sferze praktycznej są to warsztaty operatorskie i montażowe, obejmujące również realizację własnych etiud filmowych. Każdy spośród uczestników warsztatów traktowany jest w sposób indywidualny, z uwzględnieniem różnic wynikających z doświadczenia i kompetencji, zasobu wiedzy na temat tworzenia filmów oraz potencjalnych oczekiwań. Uczestnikami zajęć w Pracowni Filmu jest zarówno młodzież wywodząca się ze szkół ponadgimnazjalnych, jak i seniorzy z Uniwersytetu Trzeciego Wieku. Znajdujące się tu wyposażenie i oprogramowanie służy uczestnikom programu artists-in-residence. Pracownią Filmu kieruje Adam Mroczek.
In the Film Studio classes are held, aimed mainly at introducing the medium of film, and especially at teaching the students to create and tell stories by means of the motion picture. Meetings with participants of the workshop are held both in theoretical and practical aspects. Thematically they cover the issues of the fundamental concepts of film, and in the sphere of practice the workshop teaches the art of film photography direction, picture production and film editing, including the implementation of students' own short films. Each of the participants is considered on an individual basis, taking into account differences resulting from experience and competence, body of knowledge on how to create movies and potential expectations. The participants of the course in the Film Studio are both the young ones from secondary schools and seniors from the so-called university of the third age. The studio's equipment and software serves also to the participants of the artist-in-residence programme. The Film Studio is directed by Adam Mroczek
1WF
Pracownia obrazu
Image Mucho
Jakkolwiek Pracownia Obrazu funkcjonuje przede wszystkim na potrzeby twórców programu artists-in-residence, istotną jej rolą jest także kształtowanie i podnoszenie kompetencji kulturalnych z naciskiem na sztukę współczesną, mieszkańców Słupska oraz Ustki. Wszystkie działania prowadzone w obrębie pracowni mają na celu przysposobienie do wiedzy i krytycznej analizy zjawisk kulturowych, a także zachęcenie do partycypacji w życiu artystycznym. Wychodząc z założenia, że obecnie fotografia, film, animacja itp. media pokrewne są bardzo często wykorzystywane w sztuce współczesnej, staramy się za pomocą tych nośników prowadzić warsztaty przygotowujące młodych ludzi do żywej partycypacji i kreowania otaczającej ich przestrzeni kulturowej. W realizacji tych zadań pomaga dobrze wyposażona Pracownia Obrazu, w której wyposażeniu znajdują się aparaty fotograficzne, kamery, osprzęt i komputery z najnowszym oprogramowaniem do obróbki graficznej. Pracownią Obrazu kieruje Krzysztof Tomasik.
Howeverthe Image Studio serves primarily to the needs of the participants of the artist-in-residence programme, its important role is also in developing and improving cultural competences of the residents of Słupsk and Ustka, with a special focus on contemporary art. All activities carried out within the studio are aimed at propagation of knowledge and skills to enable the people to make their own critical analysis of cultural phenomena, and to encourage their participation in the artistic life. Assuming that at present photography, film, animation, and other related media are very often used in contemporary art, we try using these media to conduct workshops to prepare young people for a living participation in culture and creating their own surrounding cultural space. The well equipped Image and Sound Studio helps in carrying out these tasks, where its equipment includes cameras, video equipment and computers with the latest software for graphic processing. The Image Studio is directed by Krzysztof Tomasik.
138
smsKi
Pracownią rzeźby.i rerami ki
Sculpture anrd Ceramics r	Studio
Pracownia rzeźby i ceramiki oferuje profesjonalnym artystom sposobność realizacji własnych projektów rzeźbiarskich w nowocześnie wyposażonej przestrzeni oraz szeroki zakres możliwości pracy w masach ceramicznych, kształtowanych metodami ręcznego formowania lub odlewu. Poza współpracą z profesjonalistami ważnym celem pracowni jest także edukacja poszerzająca świadomość w domenie designu i sztuki współczesnej, ze szczególnym ukierunkowaniem na rzeźbę i ceramikę. Podczas cyklicznych zajęć uczestnicy mają okazję doświadczyć pracy z modelem, lub zgłębić wiedzę dotyczącą wytwarzania naczyń ceramicznych, ergonomii przedmiotu i proporcji. Niezależnie od tego - istotnym walorem pracowni są odbywające się w niej wykłady i warsztaty specjalistyczne, prowadzone przez artystów rezydujących w obiekcie, co pozwala przybliżyć słuchaczom fenomen sztuki i wielość jej przejawów, a także poznać kulisy jej powstawania.
Pracownię Rzeźby i Ceramiki prowadzi Michał Żesławski.
To professional artists the Sculpture and Ceramics Studio offers the opportunity to realize their sculptural
projects in modernly equipped space and a wide range of possibilities of working in the masses of ceramic
material, shaped with the methods of manual molding or casting. In addition to working
with professionals, an important goal of the studio is in art education which widens the consciousness
of the viewer in the domain of design and contemporary art, with particular focus on sculpture
and ceramics. During the regular classes, participants have the opportunity to experience working
with a model, or deepen their knowledge about the production of ceramic vessels, as well as ergonomics
and proportions of an object. Apart from this, a major advantage of the studio is the fact that lectures
and specialized workshops take place in it, conducted by artists residing in the facility, which allows
listeners to become closer to the phenomenon of art and the multiplicity of its manifestations,
and to learn the ways of its creation. The Sculpture and Ceramics Studio is directed by Michał Żesławski.
140



DUKACJA
EDUC/UTON
Edukacja
Education
Bałtycka Galeria Sztuki Współczesnej od wielu lat realizuje program edukacyjny, którego celem jest przygotowanie świadomego, aktywnego odbiorcy dawnej i nowej sztuki. Prog-am ten powinien ułatwiać odkrywanie siebie jako jednostki twórczej, pozytywnie wpływać na rozwój osobowości, wrażliwości, empatii i tolerancji, a jednocześnie wspierać kreatywne funkcjonowanie jednostki w społeczeństwie. Jedną z najpopularniejszych form wykorzystywanych na tym obszarze aktywności są cykliczne warsztaty artystyczne, spotkania autorskie oraz odczyty. Taką też formułę przyjął realizowany od wielu lat z powodzeniem program edukacyjny. Prowadzone zajęcia warsztatowe mają charakter interdyscyplinarny i dają wiele możliwości poznawania oraz odbioru sztuki poprzez bezpośredni udział w samym procesie tworzenia. Dzięki obranej metodologii oraz wieloaspektowemu pokazaniu relacji pomiędzy sztuką, kulturą a człowiekiem warsztaty umożliwiają wyzwolenie w uczestnikach otwartej i poszukującej postawy wobec otaczającego świata. Forma warsztatów artystycznych jest najlepszą formą poznawczą. W Centrum Aktywności Twórczej realizowane są zarówno warsztaty jak i lekcje o sztuce prowadzone cyklicznie przy okazji zmiany wystaw, wykłady z zakresu sztuki najnowszej, Warsztaty Rodzinne czy również cykliczne spotkania z mieszkańcami Ustki pt. „Historyczne czwartki".
Edukacja
EaucatiOfi
For many years the Baltic Gallery of Contemporary Art has been implementing the educational programme whose aim is to prepare a conscious and active audience of the old and new art.
This programme is to facilitate to discover oneself as a creative individual and positively affect the development of personality, sensitivity, empathy and tolerance, at the same time supporting the creative functioning of the individual in the society. In this area, regular workshops, meetings with authors, and lectures are the most popular forms of activity. This has been also the formula of the successful programme implemented here for many years. The workshops are interdisciplinary in nature and give the audience many opportunities to explore and develop their perception of art through direct participation in the process of creating. Thanks to the adopted methodology and showing the relationships between art, culture and man in many aspects, the workshops allow the participants to liberate an open and seeking attitude towards the surrounding world. Within this framework art workshops are the best cognitive form. The Centre for Creative Activities is implementing both workshops and art courses conducted periodically on the occasion of change of exhibitions, as well as lectures on contemporary art, family workshops, and the so-called 'historical Thursdays', the regular meetings with the residents of Ustka.
Bałtycka
Galeria
Sztuki
Współczesnej
BAŁTYCKA GALERIA SZTUKI WSPÓŁCZESNEJ UL PARTYZANTÓW 31A
76-200 SŁUPSK TEL/FAX t 48 59 8425674 O	E-MAIL: f.NFO@BGSW.PL
INSTYTUCJA KULTURY SAMORZĄDU WOJEWÓDZTWA POMORSKIEGO
Bałtycka Galeria Sztuki Współczesnej w Słupsku
Dyrektor: Edyta Wolska
ul. Partyzantów 31a 76-200 Słupsk
tel/fax: +48 059 842 56 74
www.bgsw.pl
email: info@bgsw.pl
https://www.facebook.com/baltic.gallery.art/
Centrum Aktywności Twórczej, ul. Gen. Zaruskiego la, Ustka Galeria czynna codziennie: 10.00-18.00
Katalog:
Skład i łamanie: Grażyna Tereszkiewicz
Redakcja merytoryczna i korekta: Roman Lewandowski
Tłumaczenie: Jan Maciej Głogoczowski
Fotografie: Krzysztof Tomasik, Adam Mroczek, archiwum BGSW Wydawca katalogu:
Bałtycka Galeria Sztuki Współczesnej w Słupsku ISBN 978-83-61773-44-3
Partnerzy:
Sponsorzy:
ZGIC
lie" USTKA
tTfte
USTECKIE TOWARZYSTWO I
III
EMPEC
^^do>
odociqgi Słupsk

Spółdzielcza Grupa Bankowa
morpol
!i' products company
Patronat medialny:
Qp/
isztuka «(Ir-v'Ske-
nAirsc*«<. b»r.i	pomorskie.e
Zadanie zrealizowano przy pomocy finansowej Miasta Słupsk.
Słupsk
Wszystkie prawa publikacji, reprodukcji i adaptacji zastrzężone.









"












__
_
ISBN 978-83-61773-44-3